10 ошибок, о которых вы должны знать — INMYROOM

Если вы
думаете, что покраска занимает максимум полчаса, и стены становятся как новые, нам придется вас разочаровать. Окрашивание поверхности – работа, не лишенная нюансов: процесс может затянуться из-за неправильно выбранной краски, валика или не вовремя
нанесенного слоя. А еще значение имеет время дня, в которое вы берете в руки инструмент. Тренировки,
конечно, лучший способ достичь успеха, но мы рекомендуем избегать чужих ошибок – рассказываем как.

Ошибка №1:
покраска неподготовленных стен 

Мелкие
дефекты, пыль, песчинки, ворсинки от кисти при предыдущем окрашивании могут оказаться под краской и негативно повлиять результат. Под слоем краски будут видны все недочеты – останется либо смириться, либо очистить стену и
покрасить заново. А возможные жирные пятна проступят, сколькими бы слоями вы ни покрывали поверхность. Особенно заметны дефекты будут, если вы используете
глянцевую краску.

Что делать: чтобы избежать двойной работы и неприятных сюрпризов, подготовьте стену заранее. Возьмите наждачную бумагу или специальный штукатурный инструмент для шлифования и пройдитесь по неровностям и дефектам. После – смахните пыль щеткой или веником. Пятна можно удалить, протерев стену влажной тряпочкой с мылом.

Ошибка №2: игнорирование
грунтовки 

Не используете
грунтовку перед покраской стен? Не удивляйтесь, если в результате получите неравномерно
окрашенную стену или перерасход краски. Дело в
том, что грунтовка обеспечивает более низкую гигроскопичность поверхности, что
позволяет экономить средство для окрашивания. А также основа придает «сцепление» поверхности с краской, что улучшает
прокрашивание стен. 

Что делать: выбирайте соответствующую грунтовку
для стен. Наносите ее кистью вертикально
небольшими полосами, а затем горизонтально – перпендикулярно первому слою. После
высыхания основы можно покрыть поверхность первым слоем краски.

Ошибка №3: неправильно разбавленная
краска 

Краска бывает слишком густой
консистенции либо становится такой в процессе работ. Тогда ее необходимо
разбавить – это интуитивно понятное действие. А вот чем разбавлять – это уже
вопрос, который может испортить и материал, и всю работу. Например, если
водно-дисперсионную краску разбавить уайт-спиритом, он вызовет
слипание полимеров. Если покрасить таким составом стену,
результат будет некачественным – разочарование неизбежно: краска ляжет неравномерно, может быть, даже
комками. Если же, напротив, масляную краску разводить водой – она просто не
смешается с основной массой. 

Что делать: прочитайте на банке с
краской состав и подберите соответственно ему средство, которым будете
разбавлять продукт. Не вливайте слишком много воды или растворителя – лучше добавлять
понемногу, тщательно перемешивая краску.

Ошибка №4: покраска без пробы 

Выбор цвета – довольно
сложный процесс, особенно если оттенок приходится сочетать с другим тоном
или рисунком. Горе-шедевр придется перекрашивать, и так процесс можно повторять до бесконечности. То же самое касается оттенка, который приходится «добывать»
своими руками с помощью колера.  

Что делать: добавляйте красящий
концентрат в краску понемногу, тщательно перемешивая содержимое. Для
начала перелейте в небольшую емкость малое количество краски и добавьте пару капель
колера – посмотрите, какой цвет получится. Добейтесь нужно тона, а потом сделайте то же самое в большей банке, если результат вам понравился. Чтобы убедиться в совместимости цвета с общим декором комнаты,
попробуйте сделать выкрас – нанести краску в малозаметном углу и дождитесь высыхания. Если итог
вас устроит – за дело.

Ошибка №5: неправильный
выбор инструмента 

Использование подходящей кисти или валика не менее важен, чем выбор краски. И дело здесь не
в вопросе вкуса. Для того чтобы равномерно прокрасить стену, вам необходимо
приобрести пару валиков и кисть. Первыми вы будете «закатывать» поверхность, а
щеткой – окрашивать углы и труднодоступные места. 

Что делать: для
первого слоя краски лучше выбрать валик с длинным ворсом – 1–1,5 см. Он наберет больше краски, что позволит быстрее и легче получить равномерное окрашивание. Для
повторной покраски больше подойдет валик
с коротким ворсом – 6–7 мм: он поможет использовать краску экономичнее,
и точно не оставит «потеков». Делайте ставку на кисть с натуральной щетиной – она не
будет оставлять ворсинки на поверхности.

Ошибка№6: нанесение краски «в разные
стороны» 

Если вы наносите краску вертикально, далее – горизонтально, а затем и вовсе, как
придется, в надежде, что при высыхании стена будет иметь приличный вид – вы
совершаете серьезную ошибку. Все мазки могут проявиться, особенно если вы орудуете
кисточкой. 

Что делать:
выберите один вариант покраски – вертикальный либо горизонтальный – краска ляжет равномерно, и окрашивание не будет выглядеть нелепым
из-за хаотичных мазков. При покраске в несколько слоев можно чередовать методы,
к примеру, первый слой покрасить вертикально, второй – горизонтально.

Ошибка №7: нанесение краски в один слой 

При нанесении краски в
один слой окрашивание может оказаться неравномерным, а если вы хотите
изменить цвет поверхности кардинальным образом – быстро закончить работу точно не получится. Даже
если вы меняете светлый оттенок на более темный, первый цвет будет проступать. 

Что делать: для получения интенсивного оттенка наносите два, а лучше три слоя. Первый позволит распределить краску по поверхности; второй и третий – лучше растушевать ее, выровнять цвет и заполнить
мелкие неровности.

Ошибка №8:
окрашивание по непросохшей краске 

Конечно,
хочется закончить покраску быстрее и наслаждаться результатом. Потому часто мы не задумываемся о последствиях окрашивания по «сырой» стене. В
результате непросохший слой начинает отрываться, налипать на кисть или валик.
Масляная краска, в свою очередь, может пойти пузырьками – всю работу придется начинать заново. Правда, дождавшись, когда краска высохнет, и отшлифовав
места с дефектами. 

Что делать:
наберитесь терпения. Пока краска сохнет, займитесь любым другим делом. Обратите внимание на инструкцию на банке, где указывается, сколько времени краске требуется для полного высыхания. Если это
эмульсия на одной основе, пройдет немного времени – и вы снова сможете взяться за работу.

Ошибка №9:
нехватка краски 

Это может стать серьезной проблемой. Во-первых, потому что за время
поездки в магазин уже нанесенный слой может высохнуть (после
высыхания стык между свежей и уже нанесенной краской будет заметен). Во-вторых, трудно подобрать нужный оттенок, если вы добавляли колер в краску
самостоятельно. 

Что делать:
самый простой вариант – взять больше. В крайнем случае неоткрытую банку можно
вернуть в магазин или оставить «на всякий случай» – подкрасить места,
где краска со временем облупится. На банках с краской всегда пишут, на какую
площадь рассчитан объем – обращайте внимание на цифры. Учитывайте и то, что если будете красить поверхность в два слоя – площадь возрастает вдвое.

Ошибка №10: неправильный
выбор времени для покраски 

Нанесение
краски при ярком солнечном свете чревато тем, что состав будет
слишком быстро высыхать – еще до того, как вы распределите его равномерно. Также краска
может начать пениться или шелушиться. А если проводить покраску при свете
электрической лампочки, все погрешности будут едва различимы.

Что делать:
оптимальный вариант для проведения работ по окрашиванию поверхности – дневное
время, без падающих в окно прямых солнечных лучей.
Южную сторону лучше красить утром или вечером, когда солнце светит не
так ярко.

Создание 3D моделей для будущей покраски

Примерно вечность назад я подержала в руках напечатанную фигурку и сказала «да чтоб я ещё хоть раз…!», хотя уже тогда я вполне понимала, что технологии печати дойдут до такого уровня, что я перестану плеваться. Что ж, пора.

Начнём мы с того, чего в этой статье не будет. Я пока ещё не являюсь счастливым обладателем принтера, и многих технических моментов просто не знаю. Ждать от меня настроек, ответов на вопросы вроде «А какой смолой лучше печатать» и «Сколько полоскать и в каком спирте» не стоит. Моя задача, по крайней мере, в этой статье – рассказать об отличиях работы над привычной гаражкой и не таким привычным принтом, и дать 3д скульпторам подсказки, как облегчить труд мастеру, который возьмётся красить вашу фигурку. Как я поняла, мы всё равно обитаем немного в разных мирах и видим работу над фигуркой по-разному, так что вот вам ключик от моей стороны 🙂

И ещё я настоятельно рекомендую печать на фотополимерных принтерах. Как бы ни казалось соблазнительно «чуть-чуть зашкурить/залить грунтом/обмазать ацетоном» FDM – не связывайтесь. Пожалуйста. Результат не стоит затраченных усилий.

• Сравнение гараж китов и напечатанных фигурок

• Гайд для 3D скульпторов: как моделить для покраски
  • Разделение фигурок
  • Прячем швы
  • Крепления
  • Толщина деталей
  • Узоры

Для начала давайте просто сравним эти два куска пластика 🙂

Поддержки vs литники

Напечатанная фигурка не имеет литников и швов от формы (очевидно), но
зато имеет поддержки. Их много, и после срезания они оставляют следы, которые
нужно убрать. Если поддержки срезали до вас, может оказаться сложно найти их
следы сразу (но они конечно же вылезут на прегрунте), так что ищите
внимательно.

В некоторых случаях, когда печатается довольно крупная деталь,
количество этих поддержек может нехило добавить работы:

Зато, что приятно, в зачистке принта вы не столкнётесь с пузырями, смещением формы и залитыми смолой деталями 🙂

Полые vs цельнолитые

В целях экономии фигурки печатают полыми внутри, и это может создать
несколько дополнительных проблем.

Во-первых, если у фигурки не планируется подставка, нужно чётко
понимать, что она не будет никуда опрокидываться. Если у гаражки самая широкая
часть как правило самая тяжёлая, ведь в большинстве случаев они цельнолитые, то
у печатной фигурки в самой широкой части будет больше всего пустоты (скорее
всего), и меньшая деталь, но с большим количеством смолы (например, голова с
множеством цельных прядей) может перевесить. Собирайте и проверяйте развесовку
заранее.

Во-вторых, осторожнее со штифтами. Гаражку с какой стороны ни сверли –
везде смола, а вот у принта есть тонкая оболочка, а под ней – пустота, и эта
пустота не приклеится к вашему штифту. Следите, чтобы крепления что-то держали,
а не были чисто декоративными.

И в-третьих, просверливая деталь, вы можете столкнуться с крайне
неприятной вещью – недостаточно хорошо промытой смолой, и тогда через дырки
потечёт липкое и прозрачное. Можно понадеяться, что клей и штифт остановят
смолотечение, но лучше дополнительно промыть деталь в спирте, а потом
дополнительно законопатить все отверстия, чтобы уже ничего не испортило работу.

У меня такое случилось, когда я перевернула детальку вверх головой и оставила на прищепке на пару дней. Смола вытекла через казалось бы закрытые отверстия и разъела и грунт, и краску, и немного моих нервов.

Тут смола из просверленной под шнурок дырки разъела грунт:

Ещё я столкнулась с появлениями липких пятен на большой плоской детали, и по отзывам, такого быть просто не могло, но тем не менее.

О поверхностях

Если основная беда поверхностей гаражек – микропузыри в смоле, то у
напечатанных это… да, правильно, полосы. Как бы ни были прекрасны
фотополимерные принтеры, всё ещё можно увидеть, что деталь напечатана.

У детали будут места, где печать удаётся хуже, и полосатость заметна сильнее. Её оптимально найти и устранить, но не везде и не всегда это возможно.

Кстати, если в дальнейшем вы планируете эти места покрывать пастелью
(например, затемнять линии на ладонях или рельеф ушей), то эти дефекты полезут
со страшной силой. Имейте в виду.

Хрупкость

К величайшему сожалению, напечатанная смола хрупкая. ОЧЕНЬ хрупкая.
Там, где тонкая деталька кита согнётся и отпружинит обратно, напечатанное
сломается. Принты требуют куда большей осторожности в обработке, потому что
некоторые детали можно сломать пальцами, просто сжав посильнее.

Соответственно, для пересылки и переноски готовые принты тоже нужно
упаковывать максимально бережно и бронебойно.

Так же стоит особенно аккуратно удалять поддержки с очень тонких деталек, иначе можно их повредить.

А ещё некоторые слишком тонкие детали могут выгнуться и искривиться сами по себе. Вот тут плащ в нескольких местах получился слишком тонкий, практически полупрозрачная плёночка, которая загуляла и потребовала укрепления:

Опять же, вечность назад я уже давала пару советов скульпторам (и они
все ещё в силе), но сейчас я хочу поговорить об этом более развёрнуто –
учитывая, что я всё чаще и чаще получаю запросы на покраску именно принтов, а
не гаражек.

Так же напоминаю, что моё мнение не есть истина в последней инстанции,
что вариантов фигурок бесконечное множество, и что наверняка есть случаи, к
которым мой опыт неприменим. Если вы просто хотите напечатать что-то и
поставить на полку – вряд ли вам стоит заморачиваться со всем ниженаписанным.
Более того, и цельную фигурку тоже можно покрасить, и весьма неплохо. Если
масштаб, в котором вы работаете, больше подходит для настольных игр, чем для
коллекционных фигур – большая часть советов опять-таки будет мимо. Ну, а если
вы планируете что-то большое и прекрасное (хотя бы от 1/8), что должно привлекать
взгляды и радовать сердца, то добро пожаловать.

Разделение фигурок

Ни для кого, думаю, открытием не станет, что красить отдельные части
удобнее, чем всю фигурку целиком. Но как делить? Давайте попробуем разобраться.

Для начала давайте посмотрим на гаражки:

Для рефов удобно использовать e2046 и GKM – там есть фотографии и частей, и собранных фигурок, и всегда можно подобрать что-то похожее на то, что вы делаете сейчас.

Есть два основных принципа – делим то, что вместе покрасить сложно, и то, что имеет разные цвета. Из обоих принципов есть исключения и свои тонкости, так что смотрим подробнее.

Самое важное. Никогда не делайте ТАК. Ниже я расскажу подробнее, а пока — НЕ ДЕЛАЙТЕ. ПОЖАЛУЙСТА. НИКОГДА.

Для покраски двух разных цветов на одной детали мастер будет использовать маски – кусочки специального скотча, жидкость или липкую массу, которые буду защищать покрашенное от нового слоя краски. Сначала нужно покрасить деталь, затем покрыть её лаком, нанести маски, покрасить остальное, снять маски, исправить косяки масок — а если таких разноцветных частей несколько, повторить. Необходимость маскировать ВСЕГДА увеличивает время и сложность работы! В некоторых случаях этого не избежать, но если у вас есть возможность разделить деталь — делите.

Маской защищена белая часть одежды:

Есть у разделения и обратная сторона — большое количество деталей может потребовать дополнительной работы со стыками, но чуть ниже я расскажу, как свести её к минимуму.

• Разделение сложных и перекрывающих друг друга деталей

Несложно догадаться, что стоит разделить то, что в сборе покрасить
невозможно или слишком сложно – ноги под юбкой, одежда под курткой,
перекрывающиеся пряди волос – идею вы уловили.

Несколько примеров:

Пара примеров, как делать не надо:

Вторую ногу было бы удобнее красить, если бы она была отделена от тела, как раз по штанине шортов, как первая. Руку от рукава отделили только правую, левая почему-то целая, хотя её тоже было бы удобнее красить раздельно.

Рубашка не отделена от юбки, так что маски и дополнительные слои лака, хотя было бы вполне естественно и довольно просто сделать их двумя деталями, да ещё и края рубашки закрыли бы шов соединения с юбкой.

Сатанеть и отделять всё от всего тоже не стоит. Не забывайте, мастеру
потом все эти маленькие деталюшечки подгонять, чтоб не было щелей, и это тоже
может стать проблемой. Руководствуйтесь здравым смыслом – здоровый бант на
поясе стоит отделить, а вот резать пояс отдельно, возможно, и не надо, особенно
если он того же цвета, что и остальная одежда.

• Голова

Я за обезглавливание — то есть, за отделение головы от тушки. Так удобнее красить лицо, и ошибка будет стоит дешевле, если придётся смывать только голову. Можно отделить голову с шеей, и тогда соединяется с телом она через какой-то чокер, ошейник, шарф или воротник, скрывающие шов, а можно — только голову, и шов в шее как правило незаметен сам по себе из-за волос и наклона головы.

Можно и так, но это неудобно, а цена ошибки — выше.

Съёмная тут только чёлка.

• Обнажённое тело

Если с одеждой сориентироваться просто, то что делать с голой кожей? В
большинстве случаев ответ тот же – делить, но обратить особое внимание на
сокрытие или обыгрывание швов. Об этом – чуть ниже.

• Разделение волос

Это вообще отдельное искусство. Как правило, короткие волосы оставляют единым целым с головой, длинные же отделяют:

Хотя, в зависимости от причёски, волосы могут охватывать голову:

Отдельная чёлка – вообще классика:

Всякого рода хвостики разумно сделать отдельно:

Старайтесь, чтобы пряди были целыми, не нужно рубить их посередине, это потребует потом дополнительной работы от мастера.

Эти прядки просто отрезаны от основной массы, если подклеить их как есть — будет некрасивый шов. Если приклеить и зачистить заранее, будет неудобно красить. Проблема бы решалась куда проще, если бы конец пряди имитировал естественный уголок.

Отдельно торчащие пряди лучше сделать отдельными деталями – учитывая хрупкость смолы, очень большая вероятность их сломать, если они будут напечатаны одним куском.

Украшения для волос, вроде заколок и бантиков можно сделать отдельными,
если они достаточно крупные и выпуклые, а резинку в хвосте или невидимку –
единым целым с волосами.

• Мех

Если речь идёт именно о персе с кожей, покрытой мехом (хотя с перьями и
чешуёй это тоже работает), делите по анатомическим складкам, либо прикрывайте
швы мехом:

Если же это какой-то меховой элемент одежды, прячьте швы в складках, если они есть %).

Постарайтесь не резать мех поперёк волосков, это создаст некрасивые
швы/дополнительную головную боль мастеру.

• Обувь

Обувка обычно подчиняется простому правилу: если обувь крупнее сандалек
или туфелек, её делают отдельно – это все сапоги, кроссовки, берцы и иже с ним.

Если же мы имеем дело с утончёнными женскими ножками (хотя нет, не надо
дискриминации, шпильки для всех!) – обувь как правило от ноги не отделяется.

Шнуровку можно оставить вместе с обувью, а вот бантики лучше напечатать
отдельно (хрупкое!), хотя опять-таки, случаи бывают разные:

• Всякого рода торчащие ремни, цепи, пояса и прочее

Их стоит печатать отдельно в первую очередь из-за хрупкости. И не
забудьте подумать, как мастер будет крепить подобные детали к основной фигурке
– об этом есть кусочек ниже.

• Маленькие и очень маленькие детали

Если с большими деталями всё понятно, то как быть с маленькими? Стоит
ли печатать отдельно серьги, кулоны, браслеты и подобные вещи?

А вот тут уже однозначно сказать сложно. Ориентироваться стоит на их расположение и количество – будут ли они мешаться друг другу при покраске, к примеру. Если речь идёт о чём-то тонком и длинном, вроде серёжек, то возможно, их стоит напечатать отдельно, чтобы затем армировать проволокой (да, опять, не забываем, какое оно хрупкое!). Браслеты и кольца, если уж только не совсем широкие и вычурные, разумно печатать вместе с руками. Всякого рода бантики и мелкие выпуклые украшения удобнее красить по отдельности, но если он один – ничего страшного, если будет вместе с основной деталью. Тонкие цепочки, кулоны и прочие украшения, практически не выделяющиеся на теле, лучше печатать вмете.

Вся эта масса ремней, сумочек, чулков, многоцветной одежды отлита одним куском, и я страдаль.

Каждое украшение снимается, итого голова состоит из 10 деталей. Удобно и красить, и собирать.

Плюсы разделения:

+ меньше масок, быстрее покраска

+ меньше цена ошибки – если деталь испорчена/покрашена не так, проще
смыть одну, чем всё

+ более качественная покраска труднодоступных мест (кто вспомнил
рекламу?…)

Минусы разделения:

— Могут возникнуть большие щели, которые потребуют заделки

— Некоторые швы требуют креативного подхода

— больше работы скульптору

Несмотря на имеющиеся минусы (а куда без них?), я всецело за
разделение. В конце концов, мастер всегда может принять решение собрать
несколько деталей и красить их в сборе – и это куда проще, чем наоборот.

Прячем швы

Дабы персонаж не выглядел монстром Франкенштейна, все соединения деталей нужно спрятать.

Помните картинку из начала прошлой части? Я напомню.

Так вот, это самое отвратное, что вы со своей фигуркой можете сделать. Она будет выглядеть плохо, мастер нашлёт на вас самые страшные проклятия, вы заплатите в три раза дороже, и мир схлопнется, сражённый энтропией. Ну, может, второе слегка перебор, но тем не менее. Будем делать красиво и удобно, тем более, что методы есть.

Самый простой способ – сделать разделение там, где есть естественный стык.

Такой метод годится там, где стык и так не будет виден, потому как часто детали прилегают друг к другу неидеально, и щель всё-таки будет видна.

Вот тут стык руки и тела прикрыт кружевным рукавчиком:

Способ получше – это «вдевать» детали друг в друга, когда край одной
будет скрывать стык.

Закрепим:

Особого подхода требуют обнажённые фигурки – одежды нет, а на живом теле обычно не бывает швов. На помощь приходят украшения, под которыми можно прятать стыки, ниспадающие волосы (швы в плечах), и в самом крайнем случае – разделение по анатомическим линиям. В некоторых случаях мастер может принять решение собрать фигурку, а потом красить (И СТРАДАТЬ), но если есть такая возможность – постарайтесь облегчить мастеру работу.

Разделение по анатомической линии. Купальник проходит выше, но благодаря естественным формам шов не воспринимается так грубо.

Классика: прячем шов в манжете, кружеве, резинке, кольце, браслете и иже с ним.

Если шов спрятать не получается, а деталь отделить надо, подумайте, как его обыграть. Может, это шов в одежде? Или спрятать его под украшением? Или надеть сверху что-то, что его прикроет?

Видите скрытые швы? 🙂

Крепления

Большинство фигурок, в том числе и принты, скульпторы делают с шипами
(занимательный факт: мне пришлось гуглить, как именно называется это
соединение). В очень старых китах и крайне редко в современных попадаются
гладкие места стыков, но это очень нехорошая практика, и делать так мы не будем
никогда.

Так мы делаем…

…а так мы не делаем.

С большими деталями особых сложностей быть не должно (чем больше и массивнее деталь — тем больший шип ей требуется), особенно после того как вы насмотрелись на гаражные красоты, но есть пара моментов, которые стоит обсудить.

Тонкие и маленькие детали требуют креплений! Нет, просто приклеить
недостаточно.

Самый выигрышный вариант – сделать этим деталям выступающие шипы. Это
позволит не утолщать деталь для крепления на штифты (штифт ведь должен за
что-то держаться), а сам шип может быть толще самой детали, ведь он будет
скрыт.

Это, кстати, немного контринтуитивно, но тем не менее – у маленькой
детали не обязательно должны быть маленькие крепления. Они должны быть
достаточными для выполнения своей функции, и если для этого им надо быть толще
и длиннее – то пусть так и будет.

С этим я столкнулась в работе с Хенджином: крепление ремней было крошечным, а у волос их не было совсем.

Шип не должен быть полым – мастер будет сверлить его для армирования.

Есть у вас совсем крошечная деталь и шип получается очень тонким, то, скорее всего, его делать нет смысла. Смола очень хрупкая, и сам по себе он может обломиться от нагрузки, а пытаться просверлить тонкую хрупкую трубочку – такое себе развлечение. Оставьте метки для сборки в виде маленьких точек, где нужно сверлить, и хватит.

Если по какой-то причине шип сделать нельзя (допустим, у вас длинные
висячие серьги, которые крепятся к тоненькой мочке уха, тут уж не разгуляешься),
то как минимум вам нужна достаточная толщина для армирования, чтобы внутрь
можно было вдеть тонкую проволочку и использовать её как шип – или придумать
художественное решение. Например, тем же серьгам можно сделать относительно
крупную бусину, чтоб было куда сверлить и вдевать проволоку.

Если вы думаете сделать кастом – снимающиеся части одежды, допустим – подумайте, как они будут держаться. Возможно, юбке нужно увеличить толщину, чтобы было куда вклеить магнит, или хотя бы вставить штифты в половинки – или же у вас будет разборное тело. Или вообще – несколько тел %)

Из одного кита получается совсем разная Одетта %)

Если вы печатаете часть деталек прозрачным пластиком, постарайтесь
сделать шипы на них, чтобы они утопали в непрозрачной детали, а не наоборот –
так их не будет заметно.

И последнее – если у вас есть несколько примерно похожих деталей, старайтесь делать им шипы разной формы, чтобы не возникало вопросов, что куда крепить.

Вот тут у каждого «щупальца» своя форма крепления, перепутать их невозможно:

Толщина деталей

Если у вас есть какие-то большие и тонкие детали вроде плащей, огромных
юбок, развевающихся во все стороны знамён или на худой конец шарфов,
внимательно следите за толщиной детали, чтобы в ней не образовалось слишком
тонких мест (см. выше историю про плащ). Собственно, можно вообще сделать
деталь толще, чем надо, а у краёв сделать её тонкой – внешне она будет
восприниматься совершенно нормальной, и это активно использовалось в более
старых китах.

Узоры

Если на одежде планируется какой-то узор – рисунок, эмблема или что-то
подобное, лучше сделать соответствующий рельеф, чтобы мастеру было проще
работать. Как вариант – можно позже заказать декали для сложных рисунков, но не
всегда и не везде это применимо.

Вот тут не было ни узора, ни декалей, а рисунок довольно сложный:

Разные виды рельефов:

А вот для татуировок лучше или заказать декали, или положиться на руку мастера – насечки на коже будут выглядеть странно (если только ваш перс – не моряк Попай).

Декали для мотоцикла:

Рисунок татуировки:

Надеюсь, эти советы помогут работать эффективнее в обоих мирах – и в цифровом, и в аналоговом, а особенно на их стыке – там, где как раз и обитают покрашенные принты.

PS: если что-то забыла, не
рассказала, рассказала непонятно – пишите!

Если вам интересно, какие материалы используются при покраске фигурок:

• Инструменты для сборки и покраски, ч.1
• Инструменты для сборки и покраски, ч.2

Если вам интересен сам процесс, то можно посмотреть любую из статей в категории workinprogress, чтобы понять основные этапы работы.

Рисунок или картина пастелью | Что он?

Поделиться:

Следы пастели, похожие на нарисованные линии рядом с более крупными мазками пастели, которые относятся к следам кисти.

Истинная природа и определение пастели — «быть сухой». Это не влажная среда, как большинство видов живописи. Его сухое, похожее на палочку качество позволяет пастели тесно ассоциироваться с рисунком, который может использоваться как глагол, так и существительное. Как глагол, он описывает физический акт нанесения меток для создания видимости изображения, формы или формы. Как существительное, оно описывает созданный образ.

Живопись, с другой стороны, определяется как нанесение краски, пигмента или цвета на поверхность. Обычно для нанесения используется кисть, хотя используются и другие способы нанесения. Живопись также может использоваться как глагол или существительное, обозначающее действие или конечный результат действия.

Определения рисунка и живописи менялись с годами. Большинство работающих художников сегодня связывают процесс рисования с созданием меток/линий с помощью сухих материалов, таких как уголь, карандаш, перо и тушь, мел или пастель, а процесс рисования — с формированием конфигураций, состоящих из тональности и цвета, нанесенных краской влажным способом на поверхность. щетка. Легко увидеть, как эти два понятия могут пересекаться по определению. Художник может легко использовать цветные графитовые карандаши для создания произведения искусства, которое представляет собой реалистичное изображение форм, значений и цветов, а другой художник может легко использовать кисть, наполненную краской, чтобы делать определенные отметки и линии. Некоторые, безо всякого каламбура, провели черту между пастельным рисунком и живописью по количеству бумаги или плоской поверхности, которую можно показать. Если тон бумаги/поверхности играет важную визуальную роль в окончательном виде произведения искусства, это рисунок. Если бумага/поверхность полностью покрыта пастелью, это считается живописью. Эти различия могут стать еще труднее сделать, когда пастель становится влажной, процесс, который часто используется на начальных этапах для нанесения подмалевка или тона на бумагу / поверхность.

Итак, как вы определяете пастель? Это рисование или живопись? Это сложный вопрос. Мое наблюдение состоит в том, что если мы будем придерживаться словарного определения, пастель — это средство рисования. Это пигмент в виде сухой палочки. Но когда он попадает в руки художника, который применяет его с намерением создать изображение, которое сообщает наблюдателю символическое использование формы, края, значения и цвета, его можно считать средством живописи. Хотя дебаты об определениях неизбежно продолжатся, для большинства из нас это не имеет большого значения. Важно то, что произведение искусства успешно передало наши намерения, и нам нравится среда. Как однажды сказал один мой друг-художник: «Я позволяю другим навешивать ярлыки на мои работы, если они считают их красивыми».

Что вы думаете? Добавьте свой голос в дебаты, поделившись здесь своими комментариями о пастели как средстве рисования или живописи.

ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ РЕСУРСЫ ДЛЯ ХУДОЖНИКОВ
• Крайний срок проведения конкурса Pastel 100 продлен до 1 сентября. Представьте свою лучшую работу пастелью сегодня, чтобы получить шанс выиграть призы и престиж!

• Смотрите художественные мастер-классы по запросу на ArtistsNetwork.TV

• Онлайн-семинары для художников

• Мгновенно загружайте другие ресурсы по пастели, например выпуски The Pastel Journal , учебные пособия по технике пастели, видеодемонстрации и многое другое

• Подпишитесь на электронную рассылку новостей Artist’s Network и получите БЕСПЛАТНУЮ электронную книгу

Поделиться:

Живопись + Рисунок | КОЛЛЕДЖ ИСКУССТВ И ДИЗАЙНА

О живописи и рисунке

Художники, опираясь на глубокие исторические корни, продолжают играть важную роль в современной культуре.

Художественная школа ЛГУ предлагает занятия по живописи и рисунку для Бакалавр изящных искусств (BFA) в Studio Art и Магистр изящных искусств в Studio Art . Также доступен несовершеннолетний бакалавриат.

Программа рисования и рисования предлагает интеллектуальную и творческую среду, направленную на осознание традиционных условностей в контексте современных форм, методов и проблем. Учебная программа подчеркивает как широту, так и глубину и охватывает широкий спектр художественных опытов от фигурной и пейзажной живописи до абстрактной живописи, водных сред, а также перформанса и инсталляции. Преподаватели представляют различные подходы и области знаний. Каждый участник разделяет приверженность формированию глубокого осознания силы и превосходства визуальных образов и их способности передавать идеи и понимание через культурные границы.

Натюрморты студентов, изучающих живопись и рисунок ЛГУ, были представлены на выставке в Музее искусства и науки Луизианы.

Работа МИД Джастина Брайанта была приобретена для постоянной коллекции Центром искусств и науки Юго-Восточного Арканзаса.

Ученый Hearst Камеа Комо провела свой первый семестр в ЛГУ, полностью погрузившись в искусство.

BFA

Для студентов первым шагом к успешной работе в живописи и рисовании является прочная основа в основах рисования и дизайна (2D и 3D) — основных компонентов базовых курсов первого года обучения. После изучения других дисциплин учащиеся, интересующиеся живописью и рисованием, продолжают курсы среднего и продвинутого уровня рисования и живописи, которые развивают технические навыки и контекстуальное понимание художественной практики.

Классное время делится на классные проекты, назначенные или независимые, когда преподаватели решают практические и технические вопросы в индивидуальном и групповом критическом анализе. Взаимодействие с приезжими художниками и критиками дает альтернативные точки зрения и укрепляет чувство профессионализма. На четвертом курсе студентам бакалавриата предоставляются индивидуальные студии. Кульминацией учебной программы бакалавриата является выпускной проект, для которого студенты разрабатывают индивидуальное эстетическое направление и совокупность работ, которые выставляются на всеобщее обозрение на выставке бакалавриата изящных искусств в галерее Foster.

MFA

Учебная программа магистра изящных искусств по рисованию и рисованию предназначена для студентов, чья цель — карьера в искусстве. Кандидаты в МИД получают частную студию с круглосуточным доступом. Школа также предлагает чрезвычайно конкурентоспособные стипендии для выпускников для квалифицированных кандидатов, и все студенты MFA имеют возможность преподавать в качестве признанного инструктора после успешного завершения учебного семинара.

Студенты МИД должны работать как зрелые художники, мотивированные независимыми идеями. Факультет активно выставляется профессиональными художниками, предлагает регулярные критические обзоры, и студентам предлагается приглашать преподавателей из других дисциплин для посещения студии. Мы рекомендуем учащимся изучать широкий круг вопросов и средств массовой информации, отраженных в современной учебной программе, но основное внимание по-прежнему уделяется рисованию.

Художественная школа ЛГУ гордится качеством программы «Приглашенные художники и ученые», где нормой являются индивидуальные критические анализы в студии и групповые обсуждения. Среди недавних посетителей — Джули Хеффернан, Марио Нэйвс, Уолтон Форд, Кара Уокер, Питер Шьелдал, Нари Уорд, Бен Дэвис, Лесли Дилл, Роберт Сторр и многие другие.

Факультет живописи и рисования

Скотт Андресен, доцент
Денис Челентано, доцент и координатор выпускников
Келли Скотт Келли, профессор
Джон Мальвето, адъюнкт-профессор
Фредерик Ортнер, профессор
Эд Смит, профессор и региональный координатор

Посмотреть все факультеты Школы искусств.

За пределами студии

Серия лекций Колледжа искусств и дизайна и программа приглашенных художников Школы искусств приносят в кампус динамичный спектр приглашенных художников и критиков. Выставки, экскурсии и возможности обучения за границей, в том числе «Искусство в Ирландии» и «Искусство во Флоренции», предлагают широкий спектр практического и вдохновляющего опыта, привнося в учебную среду как мир искусства, так и более широкие мировые перспективы.

Члены Лиги художников посещают галерейные и музейные выставки, спонсируют презентации художников, проводят групповые критические разборы среди своих сверстников и многое другое.

Приглашенные художники, ученые и приглашенные лекторы предоставляют студентам дополнительные возможности для расширения их творческих интересов и установления связей с художниками из различных дисциплин.

Возвышенность над рекой Миссисипи — это среда, где ландшафт, климат, история и культура позволяют вести образ жизни, который однозначно соответствует художественному темпераменту.

Помещения

Приглашенный художник Кара Уокер посещает студии МИД.

Уроки рисования и рисования проводятся в Foster Hall, Studio Arts Building и Dairy Science Building. В Фостер-холле есть три большие, хорошо оборудованные студии рисования со стеллажами, таборами и мольбертами, а также три студии рисования со стендами для моделей, мольбертами и скамьями для рисования. Здание Studio Arts – это одна большая комната площадью около 7 000 квадратных футов, которая в настоящее время используется для старших проектов и мастерской по продвинутому рисованию. Студии MFA расположены в здании Dairy Science Building, где студенты имеют доступ к студиям круглосуточно, семь дней в неделю.

Студенты имеют доступ к традиционной деревообрабатывающей мастерской; цифровое производство, фото- и осветительное оборудование; широкоформатные принтеры и сканеры; дендрарий; литейный цех; студия захвата движения; высококлассные рабочие станции; и более.

Школа искусств проводит выставки в течение года в своих галереях на территории кампуса и за его пределами. Студенты имеют широкие возможности увидеть и испытать инновационную работу с широким спектром точек зрения и социальных тем.