Виды стилистики в рисовании: Стили рисунков / Skillbox Media

Содержание

Стиль в рисунке • Учимся рисовать

Наступает момент, когда у новичка появляется стремление обрести свой собственный стиль, что вполне естественно.

Однако важно понять, что настоящий стиль определяется не одним лишь желанием его иметь, но оттачиванием всех навыков, для того чтобы уметь рисовать все, что угодно, не заботясь о соблюдении критериев стиля.

Многие из великих художников начинали рисовать так, как рисовали их учителя, и только через много лет, развиваясь, приобретали свой собственный стиль.

Итак, предмет нашего разговора — не смутное желание иметь определенный стиль, но продолжительная борьба за то, чтобы рисовать мир таким, каким его видит художник.

Все представленные здесь стилистические направления — результат многолетних упражнений, связанный с собственными жизненными принципами художника, тем, что он думает о предмете, который собирается изобразить.

Две первые работы выражают тенденцию к романтическому восприятию мира, другие решены в более наивной или более абстрактной форме. Многие примеры носят весьма декоративный характер, а некоторые из них — сюрреалистичны, но, прежде чем приобрести право на выражение своей особой точки зрения, все авторы прошли долгий путь совершенствования своего мастерства.

То есть, если вы начинающий художник, старайтесь не слишком задумываться о своем собственном стиле, а изучите некоторые из представленных здесь примеров, чтобы понять, действительно ли вам хочется следовать какой-то определенной системе. В любом случае, для практики полезно попробовать себя в разных стилях, поскольку таким образом вы сможете оценить свои умения и уровень мастерства.

Оба эти рисунка в некотором смысле воскрешают в нашей памяти романтические образы зданий: один предлагает нам романтический вид на нью-йоркские небоскребы, суперэлегантные строения, подразумевающие совершенство, выходящее за рамки понимания большинства из нас; второй пробуждает ностальгию по давно ушедшему прошлому и загадочным, теперь уже редко встречающимся очертаниям.

На рисунке, сделанном по картине «Шелтон» (художницы Джорджии О’Кифф), перед нами — изображение небоскреба, от которого отражается солнечный свет. Рисунок в подобном стиле требует ясности и строгой определенности в работе с градацией тонов, похожей J на ту, что проявляется на черно-белой фотографии. Если вы новичок, то можете взять в качестве образца настоящую фотографию и включить в рисунок все мельчайшие случайные дефекты, которые встречаются на фотографиях, например отражения и блики.

На копии картины Джона Пайпера (1903-1992) — ночной вид церкви в замке Фотерингей. Благодаря ясно очерченным контурам здание ярко выделяется на фоне очень темного неба. Мастерски передана текстура растрескавшихся стен старой церкви, а декоративный эффект подчеркивает лепнина, обрамляющая двери и окна. Глубина и контрастные тени усиливают восприятие пронизывающего церковь лунного света.

Японский мастер пейзажей Андо Хиросигэ (1797-1858) заимствовал формы у природы, но больше его увлекал дух или сущность сюжета, как произведения искусства. Он не желал просто с точностью копировать то, что видел. Он искал ключевые точки и равновесие элементов избранной им сцены, а затем тщательно конструировал пейзаж, стараясь повлиять на наше видение. Он передавал только самые основные очертания и то, как они соотносятся друг с другом. Обычно художник несколько подправлял их расположение или позицию, чтобы сделать рисунок наиболее эффектным с эстетической точки зрения. На самом деле пейзаж служил художнику лишь отправной точкой, а его сознание, восприятие и мастерство, вдыхая в рисунок жизнь, одновременно вызывали определенный отклик у зрителя. Опыт не был принесен в жертву случайности.

Рисунок с видом Карлсбада, сделанный по картине чешского художника Антонина Рехака (1902-1970), создан в наивной манере и не вызывает сомнения во владении художником перспективой, но реальные подробности и отчетливость каждого из фрагментов рисунка переданы с одинаковой интенсивностью, будь он расположен близко, далеко или где-то посередине. Такой прием подходит для декоративного, игривого стиля рисования.

Рисунок по картине хорватского мастера Ивана Рабузина (род. в 1921 г.) «Птица мира» — это необычный образ мира, созданного из одних только деревьев, тщательно разделенных на несколько уровней и четко выстроенных, который представляет собой типичную попытку наивного

художника изобразить доисторический или мифологический сюжет. С особой скрупулезностью он выписывает каждое дерево, повторяя его до бесконечности, тогда как в небе повторяется один и тот же образ облаков. Ничто здесь не выглядит случайным, только очень старательный садовник мог бы добиться такого эффекта. Разумеется, этот пейзаж нельзя воспринимать как ошибочное представление о реальности. Доведенный до крайности формализм способствует силе его воздействия, заставляя вас осознать, что сюжет в целом подчинен определенной идее.

Понятно, что «Закат солнца в девственном лесу», выполненный по картине Анри Руссо, прозванного Таможенником (1844-1910), представляет собой воображаемый пейзаж. Буйная растительность наводит на мысли о джунглях, а растения выглядят так, словно сами были скопированы с гравюр, оттиски которых в те времена часто встречались в книгах по географии и иллюстрированных журналах. Возможно, художник обогатил свои знания, посетив парижский ботанический сад. В оригинале среди тщательно продуманного беспорядка пышной растительности располагаются фигуры человека и животного, в этом варианте они отсутствуют. Несмотря на то что этот пейзаж — явный плод фантазии городского жителя и по стилю относится к наивному искусству, в целом он оставляет очень сильное впечатление.

Оба эти мастера подчиняют жанр пейзажа собственному художественному видению мира.

Очень абстрактный рисунок, сделанный на основе картины английского художника немецкого происхождения Франка Ауэрбаха (род. в 1931 г.) «Морнингтон Кресент зимой». Темные полосы выполнены тушью и кистью, так же кистью исполнены отдельные пятна светлых тонов. Эффект материальности достигается с помощью мела, накладываемого слоями одновременно с каждым новым слоем полос, и порой почти уничтожающего слои, лежащие под ним.

На картине «Маяк» итальянского художника-самоучки Карло Карры (1881-1966) пейзаж выглядит почти натурально, исключение составляют только странные, до крайности упрощенные очертания зданий. Это мир мысленных образов, когда ментальное изображение воспринимается как более близкое к реальности, чем физический облик, который обычно мы считаем реальным. Если так, то где же в нашей голове рождается тот образ пейзажа, на который мы смотрим? Как узнать, что он «не отсюда», если не полагаться на собственные чувства? Нелегко понять, что менее реально — видимый нами ментальный образ или истинный объемный материальный мир.

Композиция английского мастера Питера Куфельда (род. в 1952 г.) представляет ателье художника и повернувшуюся к окну обнаженную девушку, которая отражается в стоящем за ее спиной большом зеркале, в нем мы наблюдаем ее с противоположной стороны, а также видим окно, выходящее в сад. На самом деле мы смотрим на две фигуры под разным углом обзора, что создает иллюзию глубины и добавляет изюминку рисунку. Создается ощущение, что нам нужно чуть-чуть сдвинуться в сторону, чтобы увидеть в зеркале еще и отражение художника.

Эта сцена на открытом воздухе также написана Куфельдом, перед нами — девушка, сидящая за столом в саду и читающая книгу. Она окружена цветами и листвой деревьев, а на заднем плане как будто виднеется окно. На столе — неубранная посуда, и, может быть, по оставленным на столе приборам мы снова можем догадаться о присутствии художника. Как и на картине с обнаженной девушкой в студии, мы наблюдаем очень личную сцену, но теперь замкнутое пространство находится вовне, а белая скатерть, железные стулья и окружающая сцену пышная растительность помогают нам проникнуться ощущением происходящего на открытом воздухе.

Некоторые художники придерживаются репрезентативного стиля в рисовании, в этом случае их рисунки отличаются особой глубиной. Заметно, что тщательно продуманная компоновка сцены несколько искусственна, но выглядит довольно натуральной для того, чтобы мы могли в нее поверить.

Двойной портрет, на котором Люциан Фрейд изобразил себя и свою жену в спальне парижской гостиницы, представляет нам героев в необычных позах и двусмысленной ситуации. Почему она лежит на кровати, а он стоит у окна? Очевидно, что художник должен был стоять, рисуя портрет, но ничто не намекает на то, что он — художник. Здесь нет фотокамеры, альбома с эскизами, он не держит в руках палитры и кисти. Итак, в чем может заключаться его замысел? Есть только одно объяснение, заключающееся в том, что жена Фрейда была в это время серьезно больна, поэтому он, возможно, случайно остановился на подобной композиции, поскольку только таким образом мог изобразить их обоих. В руках первоклассного художника неординарное решение превратилось в потрясающую идею. Достаточно случайно брошенного на картину взгляда, чтобы многое понять о том времени, когда она была написана (в 50-е годы XX века).

Американский художник Чак Клоуз (род. в 1940 г.) создает портреты огромных размеров. Часто по стилю они походят на фотографии для паспорта, которые делают в кабинках фотоавтоматов, но их размеры достигают в высоту около 1,5-1,8 м и отличаются мельчайшими, тщательно выполненными деталями, что характерно для фотографического реализма. В результате сочетания гигантских пропорций с кропотливой техникой миниатюры получаются монументальные и мощные образы.

Возможно, идея попробовать себя в таком жанре вас испугает. На самом деле, я думаю, вы почувствуете очень большую свободу и извлечете из этого огромную пользу.

Самый простой путь — это приколоть на стену лист картриджной бумаги и спроектировать на него с самым большим увеличением, которое вы сможете получить, слайд с фотографией вашей модели. Обрисуйте контуры модели, следя за правильностью пропорций. Затем забудьте о слайде и перенесите все свое внимание на живую модель. Глядя на нее, начинайте рисовать портрет, ориентируясь по контуру, чтобы не исказить очертания. Подумайте, насколько подробно вы можете проработать детали, особенно волосы, которые трудно передать в таком формате. Самый приятный момент приходит тогда, когда вы приступаете к глазам и рту, перенося на такой огромный лист бумаги то, что у вас перед глазами.

Удачи, и получите удовольствие! Возможно, вас удивит собственное мастерство.

Совершенный способ изображения человеческой фигуры, которым владел английский художник Юэн Аглоу (1932-2000), крайне точен, но отнимает много времени, известно, что художник мог потратить годы, работая над одной-единственной картиной. Чтобы добиться подобного колоссального воздействия на зрителя, Аглоу создал обнаженную фигуру из сотен скрупулезных, выверенных мазков по холсту или бумаге. Законы геометрии просматриваются также в тщательно положенных тонах и цвете, дополняющих структурированные и мощные человеческие формы. При таком подходе неизбежно приходится жертвовать некоторыми признаками индивидуальности.

Здесь представлены рисунки, сделанные по картинам Томаса Гейнсборо (1727-1788), великого рисовальщика, способного очень лаконично передать форму, выделяя в ней самое главное. Ему удавалось наделить объект телесностью и материальностью, не задерживаясь на слишком подробной проработке контура.

На картине Гейнсборо, написанной в Ричмонде, изображена роскошная дама, вскользь смотрящая из-за плеча на художника во время прогулки, одетая в красивое, струящееся шелковое платье и большую черную шляпу. Осязаемость тела под одеждой угадывается благодаря небольшим пятнам меловых штрихов, расплывчатым тонам и белому цвету женской кожи, все говорит о чарующих формах этой довольно кокетливой дамы. Что больше всего бросается в глаза, так это молодое, проворное, но также материальное человеческое тело.

Как картины, так и рисунки польской художницы русского происхождения Тамары Лемпицкой (1898-1980) отличаются очень большой    стилизованностью. На портрете ее мужа Тадеуша резко очерченные основные формы, должно быть, очень точны, но слишком вылощены, без единой неровности или зазубринки. Тона положены чаще всего большими пятнами, мелкие детали не проработаны. В результате перед нами — тяжеловесный упрощенный рисунок.

Художник Майкл Эндрюс изобразил себя с дочерью в окруженной скалами заводи в момент обучения ее плаванию. Созданные им образы явно фотографичны, что делает картину довольно привлекательной, а передавая формы тела под водой, он также использует эффект преломления света и колебательный эффект волны. Он до минимума сводит брызги воды, резко выделяя их на темном фоне глубокой заводи. Благодаря равновесию между крупной, почти вертикально стоящей фигурой мужчины и маленькой, горизонтально расположенной фигуркой девочки создается необычный элемент композиции.

Оригинальный портрет ученого и писательницы Жермен Грир, авторство которого принадлежит британской художнице португальского происхождения Пауле Рего (род. в 1935), выполнен в технике пастели на бумаге с алюминиевой подложкой, настоящая же копия нарисована мелом, карандашом и тушью. Сложность повторения цветной пастели в обычном черно-белом рисунке состоит в том, что слегка шероховатую и текучую текстуру пастели приходится воспроизводить мелкими и тонкими штрихами, чтобы осталось то же ощущение, что возникает при взгляде на оригинал. При таком копировании нужно аккуратно обращаться с материалом, дабы сохранить характерные черты авторской работы.

Особенность копии написанного Рембрандтом портрета отца, которому в ту пору было за шестьдесят, заключается в том, что вместо линий здесь использованы тональные пятна. Карандаш сильно растушеван, благодаря чему создается почти такой же эффект, как если бы вы работали мелом.

Копия портрета Габриэль д’Эстре, принадлежащая руке одного из последователей Франсуа Клуэ (ок. 1520-1572), выполнена аккуратными, ровными линиями карандашом В и 2В. Местами добавлены легкие штрихи мела. Резко очерчены только глаза, ноздри и рот. Клуэ видит в ней настороженную и умеющую себя сдерживать восемнадцатилетнюю девушку, однако мы не уверены в ее искренности.

Оба художника выбрали для себя простой формальный стиль, а манера, в которой они создают свои произведения, оказывается по-новому интригующей, неожиданной и провоцирующей наше зрительное восприятие. Они заставляют задуматься над тем, что же мы считаем хорошим рисунком.

Линейный рисунок слева по картине «Вдох, выдох» (2002 г.) художника ирландского происхождения Майкла Крейга-Мартина (род. в 1941 г.) представляет нам стандартный набор мебели в жилой комнате, которая скомпонована таким образом, что смущает зрителя, который видит такие крупные предметы, как шкаф для хранения документов и лестницу-стремянку рядом с увеличенными в масштабе видеокассетой, точилкой для карандашей, электрической лампочкой и метрономом. Фокусной точкой картины служит стоящее посередине кресло на одной ноге, и все вместе своими обезличенными, чертежными линиями тяготеет к стилю рассылаемых по почте рекламных проспектов. Майкл Крейг-Мартин — один из тех редких художников, кто использует  в своих произведениях подобный род      формальной отстраненности от изображаемого предмета.

На бесхитростном примере итальянского художника Ренато Гуттузо (1912-1987) мы видим просто два яйца и подставку для яиц. Расположение яиц на плоскости, подчеркнутое дугой полусферы яйца в подставке, выпукло выделяющейся на фоне удаленной стены заднего плана, создает очень абстрактную и совершенно безукоризненную композицию.

Натюрморт, выполненный с картины испанского живописца Франсиско Сурбарана (1598-1664), ярко освещен с одной стороны. Интенсивность освещения и расположение предметов на темном фоне создают эффект подсветки и притягивают наше внимание к картине, позволяя ощутить в ней явный привкус декорации.

Большинство наиболее символичных картин в жанре натюрморта часто отсылают к прошлому и подталкивают к мысли о близкой кончине. Натюрморт, созданный по картине фламандского художника Бруйна Старшего (1493-1555), прост, но выразителен с точки зрения композиции: перед нами — угасшая свеча, череп с отдельно лежащей нижней челюстью и записка на нижней полке. Мрачные тени под полкой приближают предметы к зрителю, подчеркивая их значимость.

Обе работы созданы в очень традиционном стиле, без попыток заступить за границу живописной техники. Между тем подчеркнутая ординарность художественных приемов заставляет нас серьезнее, чем обычно, задуматься об их содержании. Несложно заметить, что оба художника были искусными мастерами, писавшими в такой манере.

Первый из наших рисунков выполнен по классическому натюрморту XVIII века, автором которого является итальянский живописец Карло Маджини (1720-1806). Здесь автор изобразил бутылки с вином, горшки с маслом, пестик в ступке и ряд других ингредиентов, таких как чеснок, помидоры, голубь и колбаски. Перед нами — довольно обычная картинка с изображением продуктов, необходимых для приготовления какого-то блюда. Обратите внимание на равновесие, которого добился художник между рукотворными объектами и овощами, птицей, колбасками. Громоздкая утварь отодвинута в глубину кухонной столешницы, а пища занимает передний план.

Рисунок, на котором мы видим несколько лимонов, высыпавшихся из мятой бумаги, отличается простотой и элегантностью, столь присущей британскому художнику Элиоту Ходжкину (1905-1987). Компоновка предметов выглядит случайной, но, возможно, тщательно продумана для достижения нужного результата. Как бы там ни было, композиция очень проста и убедительна.

Изображение разных предметов, которые можно отыскать на кухне, — освещенное веками занятие многих художников, а приятное разнообразие форм дает возможность вволю поупражняться. Кроме того, мысль о том, что в ближайшее время изображаемый предмет, вероятно, будет съеден, заставит пошевелиться и не затягивать работу над рисунком. Поторопитесь, иначе предметы превратятся в еду.

Очень декоративный натюрморт испанского художника Хуана Миро (1893-1983) смотрится естественно, хотя представлен в довольно стилизованном, смоделированном виде, предлагающем нам крайне любопытные, почти геометрические формы и плоскости. Текстура рисунка древесины не менее осязаема, чем текстура крапчатой папки с этюдами, разукрашенного кувшина, обрывка с газетным заголовком, лежащей по диагонали прогулочной трости и на вид мягкой и мятой снятой перчатки.

Натюрморт Анри Матисса даже еще более произволен в выборе форм фруктов и цветов. Их формы ощутимы, но не потому, что напоминают реальную субстанцию. Матисса интересовало, каким образом они располагаются на плоскости стола, который, если посмотреть внимательно, изображен под углом к нам. Очертания в целом создают очень симметричный узор, эстетически ограничивающий пространство и почти ничем не связанный с нашим представлением о фруктах и цветах.

Британский художник и гравер Крэйги Эйтчисон (род. в 1926 г.) рисует растения в вазах и все на свете сводит к минималистским формам, достигая при этом максимального воздействия на зрителя. Его одинокие, уязвимые цветы, поставленные в изящный, но прочный сосуд, расположены по центру и так просты, словно сошли с детского рисунка, обладая при этом какой-то возвышенной значимостью. Хорошо известный прием — изображение предмета в окружении свободного пространства — наполняет образ глубоким смыслом.

На рисунке, сделанном по работе Джордже Моранди, мы видим целый ряд бутылей и кувшинов, выделяющихся на темном фоне, а также две тарелки на переднем плане. Этот колоссальный натюрморт наводит на мысль о еще более крупных предметах, но составлен все-таки из тех самых компонентов, которыми всегда пользовался Моранди.

В натюрморте по картине Сезанна линии довольно тонко выполнены пером, а текстура передана мелом и акварелью, положенной кистью и отдельными пятнами. В одном месте меловые штрихи легли поверх акварели, а в другом — акварель нанесена поверх мела.

«Верхняя палуба», написанная в 1922 г. американским художником Чарльзом Шиллером (1883-1965), относится к жанру натюрморта на морскую тему, хотя любая комбинация машинных узлов или промышленных деталей могла бы стать в данном случае предметом изображения. На рисунке — загроможденная хаотично расположенными конструкциями палуба парового судна начала XX века, но все они по своей природе функциональны. На самом деле перед нами — огромный фрагмент натюрморта, почти трансформирующийся в поле пейзажа. Однако я полагаю, картину по жанру все же можно отнести к натюрмортам, поскольку подробности таковы, что объектом изображения скорее являются предметы, а не угадывающиеся морские просторы.

Рисунок «Мосты» (по картине американского художника Джеймса Дулина, род. в 1932 г.) очень реалистичен с точки зрения способа выражения и может быть отнесен в категории турдефорс (tour deforce). Особенно сложно передать постепенные переходы тонов. Чем больше вы будете стараться выдержать стиль фотографического реализма, тем лучше будет конечный результат. Кроме того, здесь присутствует элемент фотоискривления пространства, способствующий еще более реалистичному восприятию рисунка.

Рисунок, выполненный по картине французского художника русского происхождения Никола де Сталя (1914-1955), под назанием «Мартин», по сравнению с предыдущими выглядит значительно проще, но создавать такие крупные тональные пятна намного труднее, чем кажется на первый взгляд.

Если вы находите этот образ слишком плоским, не беспокойтесь, рисунок все же производит впечатление, независимо ни от чего. Главная трудность для новичка — недостаточная уверенность в собственных силах. Чтобы очертить основные контуры, лучше отложить в сторону карандаш и сразу взяться за кисть и акварель. Если же вы чувствуете, что совершенно невозможно обойтись без карандаша, пользуйтесь им как можно меньше.

Кажется, что образы, ставшие основой работы Фрэнсиса Бэкона (1909-1992) «Три эскиза фигур у основания Распятия» (встречается «Три этюда…»), олицетворяют необузданную, слепую ярость или, может быть, даже мщение. Сам Бэкон видел в этих фигурах фурий, которые, как говорится в древнегреческих мифах, мучают грешников до и после смерти. Пусть эти эскизы и далеки от классики, они словно вышли из античных мифов.

Рисунки интересны тем, что в них нет абсолютно ничего реального или знакомого, то есть при копировании довольно легко исказить все формы и пропорции. Тем не менее, даже если вы ошибетесь, это не будет большим грехом, поскольку сравнить будет не с чем, разве что с оригиналом.

Здесь есть нечто бесспорно странное: сюрреалистический натюрморт, который отчасти можно считать пейзажем. Хотя мы смотрим на обычные предметы, они предстают совсем в ином виде и кажутся мягкими и податливыми, а не твердыми и упругими. Мягкие часы Сальвадора Дали (1904-1989) очень известны, только мастер способен изобразить подобные вещи так, чтобы они были все-таки узнаваемы, даже если их очертания сильно искажены.

Невозможно найти ничего более далекого от чувства тревоги и почти отвращения, с которым мы сталкиваемся в работах Фрэнсиса Бэкона, чем Марка Шагала (1887-1985).

Большинство его картин написано в волшебной, игривой манере. Композиция, цветовая гамма и техника исполнения многих работ порождают лирические или радостные ассоциации. Он посвящает себя изображению магической стороны жизни, утонченно играя на наших чувствах.

Перед нами — образец современного символизма с очень выразительными и написанными в экспрессионистской манере образами, характерными для многих американских художников данного периода. Измененные физические объемы подчеркивают элегантность и притягательность рисунка.

Рисунок «Семья» работы американской художницы Элис Нил (1900-1984) может считаться настоящей демонстрацией ценностей богемной нью-йоркской жизни 70-х годов XX века. Девушка и женщина наделены многими чертами, по которым можно определить, к какому кругу они принадлежат: длинные волосы, короткие платья с длинными рукавами, худые ноги с узкими ступнями и удлиненные пальцы. Эти признаки указывают на то, что они следуют последней моде. Длинноволосый мужчина в небрежно повязанном шарфе, с длинными руками и тонкими пальцами, пусть и не так модно одетый, — представитель того же слоя. Они позируют, сидя близко друг к другу, и все трое пристально смотрят на нас с решительностью и неприязнью. Их взгляд говорит: «Мы здесь, обратите на нас внимание!» Слегка угловатые формы, а тем более их черты и то, как они одеты в этот момент, преувеличивают их значимость в наших глазах как представителей авангарда. Единственная надежда, что, посмотрев на эту работу, моделям, возможно, захочется стать более привлекательными, чем их изобразила Нил.

В искусстве эмоции можно передать через действия персонажей. Качество композиции зависит от того, как передвигаются фигуры в пространстве картины. В данном случае Пикассо передает драматическое действие путем искажения женских тел.

Фигуры на пляже, изображенные Пикассо, не корректны с точки зрения человеческой природы. Их простертые и соединенные руки выражают удовольствие, которое они испытывают от бега, а вывернутая и странно вытянутая нога опережающей фигуры говорит о быстром движении по горизонтали.

Образы на этом и следующем разворотах стараются передать зрителю чувство или мысль, которые невозможно выразить словами. На самом деле, наверное, сложно с точностью или лаконичностью определить производимое ими впечатление. Одна картина стоит тысячи слов. Нелегко передать свою идею визуальными средствами, но, если поупражняться, все станет возможным. Попробуйте сами создать такой образ. Вы можете использовать или адаптировать какой-либо из подходов или способов, о которых мы уже говорили. Когда вы что-то творите, показывайте работу друзьям и прислушивайтесь к их реакции. Если ваша попытка наводит на мысль о том, что вы хотели сказать, они быстро это поймут.

Картина «Поцелуй венского художника» Густава Климта (1862-1918), выполненная в явно графической манере, демонстрирует нам силу желания. Яркий орнамент одежды, хотя и почти скрывающий тела любовников, делает картину более осязаемой. Крепкое объятие мужских рук, обхвативших лицо и голову девушки, ее руки, цепляющиеся за его шею и запястье, а также выражение экстаза на ее лице говорят нам о силе и глубине их сексуального влечения.

Картина Шагала наполнена почти детским весельем и радостью, что подчеркивает довольно наивная манера, в которой выполнен рисунок. Изображение прилегшего на траву поэта порождает чувство легкой меланхолии. Частично это объясняется довольно странной позой персонажа, лежащего в основании картины, а частично — темным цветом деревьев и едва ли не призрачными, как будто игрушечными очертаниями животных, пасущихся на огороженном забором лугу за спиной поэта.

«Крик» норвежского художника Эдварда Мунка (1862-1944) — экспрессивное и субъективное произведение, которое теперь толкуется как общее высказывание о нашем внутреннем мире, в частности о страхах и отчаянии, переживаемых современным человеком.

На картине изображено место, где совершались самоубийства, неподалеку от скотобойни и психиатрической больницы, в которой содержалась сестра Мунка. Художник говорил об этом месте: «В тучах кружилась красная кровь. Я слышал крик, издаваемый природой».

На картине Мунка мы видим кроваво-красный закат с желтыми и красными прожилками, а также крупные темно-синие и зеленые пятна справа. Скручивающиеся линии и похожая на череп голова с пустыми глазницами и открытым ртом производят очень мощное впечатление.

На рисунке, изображающем плачущую женщину, Пикассо передает крайнее эмоциональное напряжение путем искусной деформации естественных очертаний головы, при этом совершенно не теряется ощущение человеческого горя. Кажется, что лицо почти растворилось в слезах, тогда как руки и сжатые зубы выражают огромное напряжение или муку.

Стиль рисования: как найти свой?

Как найти свой стиль рисования: практическое руководство

 

(Перевод статьи Tara Leaver “Finding your own artistic style: A practical guide” –

http://taraleaver.com/2015/02/finding-your-own-artistic-style-a-practical-guide/)

У многих из нас поиск своего собственного узнаваемого художественного стиля вызывает большие трудности. И это относится не только к новичкам в рисовании, но также затрагивает и художников со стажем.

Возможно вы начинаете сомневаться еще до того, как кисть прикоснется к холсту, вспоминая разные критические замечания ваших учителей, или попросту теряясь в огромном количестве различных возможных идей и вдохновении, полученных с разных курсов. А может и то, и другое сразу!

Неудивительно, что когда вы найдете свой стиль, вы почувствуете себя просто изумительно!

Сегодня я вижу несколько простых способов как найти и развить свой собственный стиль.

Он есть у каждого человека, просто нужно помочь ему проявить себя. Мы развиваем его через постоянную практику и упражнения, но есть еще и бессознательная часть, та, что идет не через “руки”, а от сердца.

Я знаю, что эта мысль кажется очевидной, тем не менее именно такое сочетание позволяет нам начать работать над выработкой нашего индивидуального стиля. Полученная извне, эта идея дает вам возможность более четко представить, с чего лучше начать познавать свое творчество и искать свой стиль.

Все, что вы прочитаете ниже, не является исчерпывающей информацией по этой теме. Это лишь отправные точки для вас в поисках собственного пути.

Возьмите свою последнюю работу, положите её так, чтобы вам было удобно её рассматривать. Последовательно отвечайте на вопросы, попутно отмечая свою реакцию и наблюдения. Если хотите, можете сделать письменные пометки.

Мы отправляемся на поиски сокровищ!

Главное сокровище – это ваше собственное творчество.


Техника мастеров акварели: СВОБОДА ОТ ПРАВИЛ!


Задумайтесь над тем, что вы рисуете чаще всего

  • Какие темы и сюжеты привлекают вас в рисовании больше всего? Если вы затрудняетесь с ответом, загляните в свои картины и папки с работами в поисках ответа.

 

Лично я стараюсь запоминать свои предпочтения в сюжетах, как часто я работаю над той или иной темой. А где-то дома у меня лежит и листок из блокнота, куда я записываю эту информацию. Так что, когда я чувствую затруднения с ответом на вопрос о моей любимой теме в рисовании, то заглядываю в себя или этот листок.

Итак, я люблю рисовать лодки! А ещё рыб, фигуры и деревья.

Список любимых тем не должен быть абсолютно полным или исчерпывающим на данном этапе. Достаточно выделить для себя несколько из них, чтобы иметь отправную точку.

Подборка работ с экспериментами и творческими поисками на тему деревьев. Вы можете увидеть общие черты, связывающие работы – извилистые линии и контурный рисунок.

 

Какие цвета вы любите?

  • Подумайте о цветовой палитре, которой вы пользуетесь по умолчанию.
  • Что может рассказать ваша последняя работа о повторяющемся выборе цветов?

 

В мою рабочую палитру в последнее время входят aqua, голубая, непальская желтая, флуоресцентная розовая и белая, в качестве которой я использую акриловый грунт gesso. Это дает мне хороший диапазон темных, средних и светлых тонов. Я получаю искреннее удовольствие от игры с этими цветами, они полностью отвечают моим нуждам и потребностям в данный момент.

А как насчет вас?

Слева – моя фотография, справа – рисунок по ней. Я использовала цвета из “моей” палитры и экспериментальную технику.


Гармония цвета. Сайты-цветогенераторы


 

Какие у вашего стиля особенности?

  • Что вам больше нравится – графичные линии или же работа с большими площадями цвета?
  • Нравится ли вам использовать необычные приемы при работе с кистью?
  • А может вы предпочитаете не использовать в работе зубную щетку для набрызга?
  • Нравится ли вам создавать так называемые паттерны, узоры, или же вы предпочитаете работать с большей фантазией и размахом?

 

Особенности моего стиля – контурные линии, часто неровные и размытые, иногда “грязные” по цветовому решению. Я вдохновляюсь работами Эгона Шиле (Egon Schiele). Я тоже люблю нервные цветовые контрасты, изощренно-гибкий рисунок.

Проанализируйте, какие приемы вам особенно нравятся и близки, дарят чувство удовлетворения своим творчеством. Развивайте их, придерживайтесь в своих будущих работах.

Рисунок рыбы, выполненный чернилами орехового оттенка. Эксперимент с линиями.

 

Какая техника, художественный материал вам нравится?

  • Возможно, у вас их несколько. Что вам нравится больше всего?

 

Я очень люблю работать с масляной пастелью. Но больше всего мне нравится работать с акрилом и использовать в работах медиум. Это позволяет мне контролировать процесс высыхания красок, играть с результатом. Высыхает всё быстро и так же легко чистится.

Если у вас есть одна любимая техника, то это значит, что вы сможете исследовать все её возможности, улучшить свои навыки, а значит и свои работы в целом.

Я не пользовалась референсами для этой работы. Тут лишь два моих любимых материала – акрил и масляная пастель.

 

Что вас вдохновляет?

Итак, мы рассмотрели основные вопросы, на которые нужно обратить особое внимание в поисках своего стиля. Теперь давайте немного отвлечёмся, посмотрим на работы других художников и подумаем над тем, что бы мы могли позаимствовать у них для себя.

Я рекомендую заняться этим после того, как вы ответите на четыре предыдущих вопроса. Перед тем, как начать рассматривать и оценивать работу других художников, вам нужно для начала разобраться со своим творчеством.

Если вы уверены в том, что выделили для себя основные черты своего творчества, это упрощает вам поиск работ других художников, близких вам по стилю и видению мира. Вам будет проще оценивать их работы, и искать особенности, которые вы хотели бы добавить к своим работам, своему стилю.

Когда вы дойдете до этого момента, я рекомендую вам ознакомиться с сайтом Pinterest.

Он создан для того, чтобы собирать и делиться визуальной информацией. Там море различных картинок, фотографий и изображений. Задайте несколько ключевых запросов, посмотрите на результат.

Вы можете создать свою персональную доску, на которую будете собирать (прикалывать – Pin it!) все, что вас вдохновит и заинтересует, будь это интересная композиция на одной картине, цветовая палитра другой, стиль художника на третьей или сюжет четвертой.

На своей доске я не собираю картины других художников. Я поступаю так не потому, что они меня не вдохновляют. Просто я хочу быть свободной от того, что рисовали другие художники в тот момент, когда я начинаю творить, искать свои собственные сюжеты и решения.

В этом вам частично помогут референсные фото (фото-исходники для рисования). Они могут сослужить вам хорошую службу, так что держите их всегда под рукой или сохраняйте на доске в Pinterest фотографии, которые вдохновляют вас.

Кроме того, внимательно приглядевшись к собранным вами фотографиям, вы непременно увидите подсказки о том, что вам интересно в данный момент, и что дальше делать.

Да, Pinterest как кроличья нора! Если вы не можете оторваться от него, поставьте таймер.

Слева – фото из Pinterest, справа – моя работа, на которую меня это фото вдохновило.


Как оставаться на волне вдохновения?


 

Вы можете задать себе лишь ОДИН вопрос, и пусть это будет: “Что вдохновляет меня именно сейчас?”

Я всегда задаю его себе, если не уверена с чего начать или не могу вспомнить как “я” рисую. Он позволяет мне идти по моему собственному пути.

Подумайте о том, что вы хотите нарисовать именно сейчас, подберите референсные фотографии, если они вам необходимы, несколько любимых цветов из вашей палитры, и рисуйте в технике, которая вам нравится.

Итак, вы готовы. Что же вы нарисуете?

Буду признательна за репост статьи! 


Еще полезные переводные материалы по рисованию:

  • Выбираем удачный фон для картины
  • 7 секретов красивого пейзажа
  • Ошибки начинающих художников
  • Что мешает нам заниматься творчеством свободно?

 

11 популярных стилей рисования, которые вы должны знать

Узнайте о самых популярных стилях рисования для художников, иллюстраторов, графических дизайнеров и даже татуировщиков.

Рисование так же старо, как само искусство. Один из самых ранних рисунков был найден в Индонезии. Археологи обнаружили абстрактные зигзагообразные знаки, нацарапанные на ракушке в индонезийской пещере. Говорят, что ему более 500 000 лет. Сегодня существует множество популярных стилей рисования.

Этот пост может содержать партнерские ссылки, что означает, что мы будем получать комиссию, если вы совершаете покупку по нашей ссылке, без каких-либо дополнительных затрат для вас. Полное раскрытие здесь .

Определение рисунка

Итак, что такое рисунок? Рисунок — это изображение, созданное с помощью карандаша, ручки, мела, маркера, мелков или любого другого материала, кроме краски. Процесс создания такой картины также называется рисованием.

Вы можете использовать множество различных средств для рисования, и вы можете рисовать буквально на чем угодно. Ниже приведены некоторые из наиболее популярных стилей рисования в зависимости от используемого материала:

  • Карандашный рисунок (графитные, акварельные или цветные карандаши)
  • Рисование пером
  • Рисунок мелками
  • Рисунок тушью
  • Рисунок углем
  • Рисование мелом 
  • Цифровой рисунок 

Типы рисования

Рисование — это искусство, выдержавшее испытание временем, и ваше воображение — ваш единственный предел. Ниже приведены некоторые популярные стили рисования, которые стоит попробовать:

  • 1. Рисование
  • 2. Штриховой рисунок
  • 3. Мультяшный рисунок
  • 4. Архитектурный чертеж
  • 5. Геометрический чертеж
  • 6. Схематический чертеж
  • 7. Типографский рисунок
  • 8. Фотореализм/Гиперреализм
  • 9. Анаморфный рисунок
  • 10. Рисунок татуировки
  • 11. Штриховка, штриховка и начес
Дудлинг

Это неформальное произведение искусства, в основном каракули и наброски, которые обычно создаются без намерения. Когда художник рассеянно рисует простую форму, непрерывно или неформально зарисовывает объекты или персонажей, это называется дудлинг. Это усиливает творческие мысли. Для художника нет лучшего способа скоротать время и сохранить творческий потенциал. Часто одним из первых признаков того, что ребенок талантливый художник, является то, что он рисует. Некоторые примечательные каракули можно найти в записных книжках Александра Пушкина и записных книжках Леонардо да Винчи.

Штриховой рисунок

Штриховой рисунок, как следует из названия, предполагает использование линий для создания изображения. Стиль простой и элегантный. Начинающие предпочитают рисование линиями, так как его легко создать и оно занимает меньше времени по сравнению с другими стилями, такими как использование точек или штриховки.

Существуют различные типы рисования линий, в зависимости от используемых типов линий. Фактические линии, подразумеваемые линии, геометрические линии и органические линии — вот некоторые варианты. Непрерывное рисование линий немного сложнее, так как оно предполагает использование одной непрерывной линии для создания всего изображения. Однолинейные рисунки Пабло Пикассо, которые относятся к началу 20-го века, безусловно, являются самыми популярными в мире.

Мультяшный рисунок

Мультяшный рисунок — это упрощенный стиль рисования, который нереалистичен и содержит преувеличенные элементы. В этом стиле есть и другие стили на выбор. К ним относятся карикатурный рисунок, стиль комиксов и мультипликационные ленты. Мультфильмы создают причудливое ощущение и могут использоваться для достижения различных дизайнерских целей, не обязательно выглядя детскими. Первым человеком, которого назвали карикатуристом, был Джон Лич, нарисовавший первый комический/сатирический рисунок еще в 1843 году. Художники-кинохудожники могут анимировать мультипликационные рисунки, чтобы оживить их и сделать более реальными.

Архитектурный чертеж

Архитектурные чертежи создаются не только архитекторами. Они знают, как профессионально и технически рисовать здания и архитектурные сооружения, но художники также могут использовать этот стиль рисования, чтобы практиковать точность, детализацию и перспективу. Архитектурный рисунок может быть сделан по фотографиям, реальным сценариям или по воображению художника. Некоторые из самых известных архитектурных рисунков в истории были выполнены Джованни Баттиста Пиранези, итальянским художником. Он создал сотни офортов, таких как Помпеи, виды Рима и его серию «Le Carceri d’Invenzione» или «Воображаемые тюрьмы».

Геометрический рисунок

От преобразования 2D-изображений в 3D-иллюзии до составления изображений с использованием геометрических форм — этот стиль рисования основан на захвате и воссоздании реального и воображаемого. Это стиль, который влечет за собой многое, и то, чего вы можете достичь, зависит от вашего творчества. Геометрический рисунок необходим, так как все, что мы визуализируем, имеет элемент геометрии. Изначально он создавался как абстрактные декоративные узоры или для символизма.

Схематический чертеж

Как следует из названия, это технический чертеж, который иллюстрирует, как что-то работает или действует. В диаграммном рисовании художник может сосредоточиться на деталях и понять анатомию конкретного интересующего предмета, что помогает реалистично изображать изображения.

Типография Рисунок

Типография включает в себя создание дизайна с использованием букв. Это может сделать профессиональный графический дизайнер или любой художник, который любит играть со шрифтами. От создания сцен внутри букв до использования букв для создания изображения — результат зависит от уровня творчества художника. Это требует навыков высокой точности, мастерства в использовании чернил и снисходительности в написании букв. Джамбаттиста Бодони был итальянским дизайнером книгопечатания в период с 1740 по 1813 год. Различные шрифты, которые он разработал, считались скорее произведениями искусства, чем материалами для чтения.

{ Потрясающий поп-арт немецкого художника-коллажиста }

Фотореализм/гиперреализм

Фотореализм требует большого мастерства и самоотверженности. Этот стиль рисования, также известный как суперреализм, зародился в 1960-х годах, вдохновившись фотографией. Изображение часто проецируется на холст для точности и аккуратности. Этот стиль фокусируется на стремлении быть эмоционально нейтральным, визуально сложным и создавать максимальную ясность. На фотореалистов большое влияние оказали поп-художники, и они выступили против абстрактного экспрессионизма.

Анаморфный рисунок

Анаморфный рисунок создает иллюзию глубины. Художник использует 2D-рисунок для создания 3D-иллюзии. Эти рисунки могут быть как сложными, так и простыми по желанию. Некоторые 3D-иллюзии выглядят настолько реальными, что кажется, будто они прыгают со страницы. Рисунок анаморфоза использует искажение для создания иллюзии, которую можно наблюдать с определенной точки зрения. С других точек зрения изображение может выглядеть искаженным, но с предполагаемой точки зрения оно выглядит реальным.

Анаморфоза происходит от греческого слова, означающего «преобразование». Впервые примененный в 17 веке, анаморфный рисунок можно назвать более сложной ветвью перспективного рисунка. Записные книжки Леонардо да Винчи содержат первые примеры анаморфотного рисунка.

Рисунок татуировки

Татуировки стали видом искусства, которым пользуются многие люди из всех слоев общества, в том числе известные знаменитости. Прежде чем тату-мастер возьмется за иглу для работы с человеческой плотью, необходимо сделать рисунок. Затем рисунок превращается в трафарет, который переносится на кожу, а затем гравируется навсегда.

Татуировки использовались древними греками и римлянами как способ наказания рабов, военнопленных и преступников. Практика религиозной татуировки в основном применялась в Египте и Сирии. Самое старое свидетельство татуировок датируется 3370 годом до нашей эры, то есть более 5000 лет назад.

Штриховка, штриховка и штриховка
Штриховка и перекрестная штриховка

При штриховке изображение заполняется параллельными линиями, которые близко нарисованы, создавая текстуру, градиент и глубину. Штриховка похожа на штриховку, но линии пересекаются и пересекаются друг с другом. Штриховка началась в средние века, а затем переросла в перекрестную штриховку примерно в 15 веке.

{ Рисунки зимнего пейзажа в Альпах }

Точечный рисунок

Точечный рисунок — это создание рисунка с помощью нескольких маленьких точек, сгруппированных вместе. Оттенки и градиенты также могут быть достигнуты, когда точки расположены близко или широко. Художник может выделить как можно больше деталей, не забывая при этом о затенении. Так как точки должны быть очень мелкими, штриховка обычно получается лучше всего при использовании острого графитного карандаша или тонкой шариковой ручки.

Разница между штриховкой и пуантилизмом заключается в том, что в пуантилизме используется множество цветов, тогда как в штриховке используется только один цвет. В эпоху Возрождения Джулио Кампангола в 1510 году изобрел штриховку как технику создания иллюзии глубины в одноцветных отпечатках.

Scumbling

Также известная как scribble art, это техника затенения, в которой используется множество маленьких кругов для создания глубины, текстуры и градиента. Помимо маленьких аккуратных кругов, также можно использовать паутинные или каракули. Чтобы добиться текстуры, художник варьирует размеры используемых кругов и давление, оказываемое на карандаш. Больше кругов в одном месте создает более темный пигмент.

Заключение

Рисование — это один из самых основных навыков, которым учится любой начинающий художник. Некоторые художники придерживаются этого и становятся мастерами рисования пером, углем или пастелью, в то время как другие используют рисунок в качестве начала картины или для набросков идей для новой скульптуры или дизайна одежды.

Являетесь ли вы коллекционером произведений искусства или хотите попробовать свои силы в рисовании собственных произведений искусства, эти 11 популярных стилей рисования — лучшее место для начала.

  • 1. Рисование
  • 2. Штриховой рисунок
  • 3. Мультяшный рисунок
  • 4. Архитектурный чертеж
  • 5. Геометрический чертеж
  • 6. Схематический чертеж
  • 7. Типографский рисунок
  • 8. Фотореализм/Гиперреализм
  • 9. Анаморфный рисунок
  • 10. Рисунок татуировки
  • 11. Штриховка, штриховка и начес

Мы всегда добавляем художников, посмотрите красивые рисунки здесь >

художественные стилихудожникипрожекторчерное и белоерисование

Объяснение стилей и типов рисования

Искусство присутствует в каждой культуре на каждом этапе развития человечества. Вот почему сегодня у нас так много разных типов и стилей рисования. Понимание различий между базовым рисованием линий и такими вещами, как пуантилизм или фотореализм, осветит дразнящий путь в мир искусства.

Мы рассмотрим наиболее распространенные типы рисования, от самых простых стилей до более сложных или художественных стилей. Это не ненависть к дудлингу, потому что мы также расскажем об этом.

В следующий раз, когда вы увидите рисунок, вам может быть интересно, в каком стиле он выполнен? Что творилось в голове художника? Давайте посмотрим на самые распространенные стили в искусстве и на то, что делает их уникальными.

Штриховой рисунок и контурный рисунок

Штриховой рисунок — это именно то, что он подразумевает. Художники, использующие эту технику, рисуют только контур персонажа или фигуры. Но часто он приобретает более сдержанный и художественный оттенок, чем этот.

Так обстоит дело с контурным рисунком. Контурный рисунок в последние годы штурмом покорил художественную сцену и даже стал популярным стилем рисования для татуировок.

Контурный рисунок немного отличается от линейного рисунка тем, что фокусируется исключительно на естественных контурах и изгибах объекта, причем художники часто предпочитают использовать одну переплетенную линию, а не множество.

Он пропускает детали, но создает красивую грань профиля человека. Оба эти стиля рисования особенно распространены среди художников.

Рисование формы

Рисование формы необходимо художникам, чтобы научиться правильно отображать трехмерную среду. Хотя этот стиль может показаться особенно ограниченным, вы будете удивлены количеством вариаций и творческой интуицией в нем.

Рисунок формы может быть как двухмерным, так и трехмерным, причем 3D чаще всего преподается в художественных школах, когда художники начинают рисовать натюрморты.

Двухмерное рисование фигур так же распространено, однако, как геометрическая сторона этого стиля стала популярной (опять же с татуировками).

Геометрический рисунок поразительно прост, но способен изображать невероятно сложные фигуры.

Имейте в виду, что геометрическая «версия» рисования формы и сам стиль геометрического рисования — это две разные вещи, последняя из которых используется в архитектуре и промышленном дизайне.

Но что касается 2D-рисования в целом, то оно часто берет совсем немного от рисования фигур и, как известно, смешивается с жанрами искусства аниме и манги.

Значение Рисунок

Значение в искусстве относится к размерности цвета. Это может быть как простое освещение и затенение, так и более сложное, например, цветовые градиенты. Каждый цвет имеет значение в зависимости от того, насколько он светлый или темный.

Знание того, как изобразить эти значения, поможет сделать изделие более реалистичным и трехмерным.

Многие художники отрабатывают ценность, рисуя или рисуя натюрморты в различных условиях освещения. В некоторых случаях экспериментирование со значениями может привести к интересным эффектам.

Например, изменение обычно темных тонов на более светлые может придать изделию «матовый» эффект, что является обычной техникой создания мультфильмов для придания более мягкого ощущения.

Слепой контур

Слепой контур — это когда художник рисует объект или фигуру, даже не глядя на страницу.

В результате получилось сюрреалистическое изображение предмета. Слепой контур — обычное разминочное упражнение для художников, потому что оно позволяет быстро привыкнуть к линиям, перспективе и формам окружающего мира.

Хотя художники, как правило, не выставляют напоказ свои слепые контурные работы, в мире искусства это не совсем неизвестно. Пабло Пикассо, например, как несколько заветных кусочков, которые были результатом слепого контура.

И эти изделия часто содержат неземное, современное качество, так что это имеет смысл.

Измененный контур

Измененный контур является продолжением слепого контура, поскольку художник старается уделять странице как можно меньше внимания. Особое внимание уделяется линиям, краям и деталям объекта.

Художник может грубо набросать контур объекта и со временем добавить больше деталей, время от времени позволяя взглянуть на бумагу. Эти случайные взгляды помогают скоординировать взгляд и руку и учат художника совершенствовать свою работу.

Помимо использования в качестве техники разогрева, модифицированный контур служит отличной отправной точкой для более сложных фигур.

Эти работы, как правило, более высокого качества, чем работы со слепым контуром, просто потому, что художнику разрешено в какой-то степени смотреть на страницу.

Общее практическое правило для измененного контура: смотреть на объект 90% времени и только на страницу 10% времени.

Cross-Contour

Когда дело доходит до трехмерных объектов, некоторые художники представляют себе невидимую сетку или линии, пересекающие объект. Эта сетка помогает понять кривизну объекта и нюансы его формы.

Перекрестное контурирование — это стиль рисования, который включает в себя рисование этих невидимых линий поперек объекта. Это также полезно для определения того, куда идут свет и тень, поскольку они часто попадают в щели и перевернутое пространство объекта.

Некоторые художники включают значения в сетку, рисуя одни линии ближе друг к другу, чем другие. Когда вы стоите в стороне от такого произведения, это создает иллюзию гиперреализма, чем воспользовались многие уличные художники.

Рисование жестами и фигурами

Рисование жестами обычно представляет собой быстрый набросок предмета, обычно фигуры. Художник нарисует грубый контур фигуры и позы, в которой она находится, стараясь точно определить анатомическое направление.

Художники обычно делают несколько последовательных рисунков жестами с живой моделью или манекеном. Художники аниме и манги часто рисуют персонажа в нескольких позах и ракурсах, чтобы четко определить внешний вид персонажа для последующего использования.

Рисование жестами способствует развитию анатомических навыков и эффективности в искусстве.

Геометрический рисунок

Одним из последних увлечений в мире искусства являются рисунки животных или людей, состоящие из сотен геометрических или многоугольных фигур. Однако эта причуда не совсем подходит под категорию геометрического рисунка.

Геометрический рисунок распространен среди архитекторов, дизайнеров интерьеров и инженеров. Это требует равных частей науки и дизайна, поскольку художники должны рисовать с точностью и вниманием к реализму.

Рисование с натуры

Подобно рисованию жестами, рисование с натуры — это практика, посвященная изображению красоты человеческого тела. Неудивительно, что даже кажущиеся плановыми портреты, подобные портрету Моны Лизы Да Винчи, покорили сердца людей во всем мире.

Художники, работающие в нише рисования с натуры, могут использовать рисование жестами, чтобы начать детализировать форму предмета. Затем они пересмотрят схему и добавят детали.

Натюрморт, однако, не является искусством исключительно для обнаженных тел. Предметом для рисования может быть что угодно, от любимых питомцев до фруктов и сцен с несколькими движущимися телами.

Натюрморты — обычные предметы для рисования с натуры. В натюрморте художник берет набор предметов, в остальном обычных для реальной жизни, и рисует их.

Этот рисунок может быть точным или представлен таким образом, чтобы сделать его более интересным.

Даже для художников, которые работают в нереалистичных стилях, таких как аниме или мультфильмы, рисунок с натуры может быть полезен для развития навыков в таких областях, как перспектива и затенение.

В случае художественного стиля аниме формы упрощены, часто с многоугольными формами. Однако хорошее знание анатомии человека поможет исправить серьезные ошибки в перспективе и пропорциях.

Перспективный рисунок

Из всех видов рисования в этом списке перспективный рисунок может быть самым сложным. Перспективу исключительно сложно освоить, потому что для ее достижения требуется точность для каждого элемента.

Художник должен владеть светом, тенью, объемами, анатомией, контурами и многим другим, чтобы определить перспективу.

В каком-то смысле перспектива — это не отдельная категория, а сумма всех этих вещей.

Перспективный рисунок, таким образом, включает в себя изображение фигур в бросающих вызов гравитации позах, которые обычно трудно запечатлеть. Конечным результатом является портрет, на котором фигура появляется прямо со страницы.

Перспективный рисунок очень популярен среди художников комиксов и манги, которым нравится рисовать персонажей в позах, передающих движение или действие.

Пуантилизм

Пуантилизм — еще один жанр искусства, востребованный художниками-комиксами. Пуантилизм включает в себя стратегическое размещение цветных точек, чтобы составить целое произведение.

Однако это не современная техника. В этой технике написано одно из самых узнаваемых произведений в истории искусства — «Воскресный полдень на Гранд-Жатт» Жоржа Сёра.

Если присмотреться, все цифры состоят из миллионов маленьких точек. В результате получается теплый туманный эффект, который идеально передает радостный полдень людей у ​​реки.

Иллюстраторы комиксов и художники манги, однако, используют эту технику по другой причине. Раскрашивая большую область точками, вы получаете большее количество негативного пространства.

Это помогает сэкономить деньги на цветной печати, которая может быть дорогой. Но сегодня он дает классический комический вид и используется художниками независимо от их желания сэкономить.

Фотореализм/гиперреализм Рисунок

Художник: Джеффри Аппиату — Источник изображения

Фотореализм — это стиль рисования, который чаще всего ассоциируется с искусством. Многие художники-любители исходят из того, что конечная цель — нарисовать что-то неотличимое от фотографии.

Фотореализм, конечно, впечатляет, но это всего лишь один из стилей рисования.

Даже в фотографии ценность произведения определяется историей, которую оно рассказывает, и ощущением, которое оно дает.

Фотореализм имеет свое место, как и другие стили из этого списка. В некоторых случаях художники включают в свои работы элементы фотореализма в дополнение к другим стилям.

Фотореализм требует совершенства в перспективе, анатомии, затенении и многих других элементах. Эти части также требуют много времени, так как совершенствование каждой из этих деталей может быть кропотливой задачей.

Вот почему у многих художников-гиперреалистов меньше готовых работ. Они тратят много времени на рисование жестами и наброски контуров моделей фигур.

Это позволяет им получить вдохновение и попрактиковаться, прежде чем переходить к более крупному произведению. Фотореализм был концепцией, первоначально популяризированной в эпоху Возрождения, а позже уступившей место более интерпретативным стилям, таким как кубизм.

Но в последнее время он пережил своего рода ренессанс, поскольку художники становятся все более талантливыми, а покупателей легче впечатлить мастерством, стоящим за этими замысловатыми произведениями искусства.

Анаморфный

Источник изображения

Анаморфный должен быть одним из самых аккуратных типов рисования. Большую часть времени анаморфотное искусство является скульптурным. Вблизи зритель может увидеть кучу загроможденных предметов. Но, стоя в нескольких футах от него, можно увидеть потрясающее изображение, созданное с использованием каждого из объектов.

Сальвадор Дали был поклонником этой техники со своим знаменитым портретом Авраама Линкольна, как и сотни других известных художников. Эта техника так же эффектна на бумаге, даже в 2D.

На самом деле, некоторые художники используют технику анаморфотного рисования, чтобы обычные каракули выглядели так, будто они отрываются от страницы.

Эти рисунки впечатляют. Вы вряд ли сможете сказать, что это все 2D, если не изучите страницу под другим углом.

Этот стиль также широко распространен среди художников по рисованию мелом. У меловых и уличных художников очень мало места, чтобы произвести большое впечатление, особенно если они хотят, чтобы их работа сливалась с окружающей средой и казалась трехмерной.

Они используют искажение в своих интересах, растягивая сцену на несколько футов, так что, когда зритель смотрит на нее в лоб, в их перспективе она выглядит как единое целое.

Так как же анаморфные художники создают эти потрясающие портреты, когда они полностью искажены со своей стороны? Один из методов включает использование отражающего цилиндра.

Художник смотрит в цилиндр, рисуя желаемое изображение, которое кажется нормальным. Но на странице рисунок искажается, проявляясь только тогда, когда зритель смотрит под тем же углом, что и цилиндр.

В более крупном масштабе художники могут планировать свою работу в соответствии с формой конуса. Приложение для цифрового искусства может помочь определить, как будет выглядеть конечный результат и как его достичь.

На бумаге или на городской стене художники-анаморфоты пользуются большим спросом. Эти изображения не только потрясающе выглядят в реальной жизни, но и собирают довольно много просмотров в социальных сетях.

Архитектурный чертеж

Архитекторы должны обладать отличными навыками рисования. Это включает в себя способность точно отображать формы и объекты.

Разница в том, что все, что они рисуют, должно быть в масштабе и должно быть нарисовано в соответствии со строительными материалами и их свойствами. Архитектурный рисунок требует математики и естественных наук так же, как и художественных навыков.

Все мы видели фильмы, в которых архитекторы чертят что-то на чертежной доске, обычно с транспортиром или линейкой в ​​руке. На самом деле они чаще всего работают в цифровых приложениях, таких как САПР.

Этому есть несколько причин.

Во-первых, это эффективнее, так как программа умеет рассчитывать от имени исполнителя. Но такие программы, как САПР, также полезны для понимания того, как объекты будут взаимодействовать друг с другом и как они будут соотноситься с тестом реальности.

Вот почему инженеры часто используют эти программы для разработки продуктов и почему многие инженеры изучают архитектурное рисование в школе.

Рисование

Рисование стало легендой. Нет, правда. Дудлинг — это абсолютно правильный стиль рисования. Фактически, вы могли бы сказать, что многие стили рисования в этом списке включают в себя, по крайней мере, некоторую форму бездумного рисования.

Рисование позволяет разуму исследовать глубины творчества, рождая то, что задумал художник.

Рисование также визуально привлекательно. Вы можете считать таких художников, как Кит Харинг, Сэм Кокс (также известный как мистер Дудл) и Сагаки Кейка, всеми сторонниками рисования.

Сагаки Кейка — интересный художник, потому что его работы основаны на нескольких стилях рисования, а именно на анаморфотном и дудлинговом.

Он хорошо известен своими безупречными изображениями известных фигур и произведений искусства, которые на самом деле состоят из сотен, если не тысяч рисунков.

Частично пуантилизм, частично перспектива, частично умопомрачительная Кейка является доказательством того, что даже каракули обладают художественными достоинствами.

Еще один аспект рисования, о котором важно упомянуть, — это граффити и стрит-арт. Граффити не только на стенах; более безопасный способ сделать это на странице.

Граффити, как и рисование, включает в себя причудливые узоры и искажение букв.