перформанс художницы Софы Скидан в HSE Art Gallery

В HSE Art Gallery в рамках выставки «Становясь бессознательным / Дрожа / С открытыми глазами / Я вижу тебя / Сдайся» (куратор Саша Буренков) прошел перформанс художницы Софы Скидан «Awareness of unawareness is awareness».

Разработанный художницей перфоманс видится ей как столкновение нескольких режимов чувствования. Деконструированная практика йоги, асан и дыхательных техник сопровождается расширенной лекцией об отчуждении от человеческого, представляя собой совмещение телесной практики и интеллектуального дрейфа, исторического и чувственного опыта познания на разных регистрах восприятия. Основная цель данной перформативной практики: понять, как мы можем смещать баланс возможностей и распределение способностей внутри практики человечного существования?

Софа Скидан — художница, родилась в 1996 году, в городе Ухта, республика Коми. Обучается в СПБГУКИТ, выпускница Школы Родченко. Художница, являющаяся также профессиональным инструктором йоги, работает со специфическим кругом материалов, техник и сюжетов, создающим отношения между восточными духовными практиками и современной критической теорией, отражая комплексные проблемы постсовременности. Скидан ставит вопросы о новых восприятиях идентичности в условиях техногенной культуры, кризиса природы и приближающейся точки невозврата экологической нестабильности эры антропоцена. Работая с различными медиа, художница создает сайт-специфик инсталляции, использует артефакты постдиджитал реальности с элементами ностальгии по утерянному природному ландшафту. В 2014–2018 годах принимала участие в ряде групповых выставок: «Диетическая выставка», Нижний Новгород; «Ассамбляж», Москва; «Сделано в Москве», Москва; «Обратный просмотр», Москва; «Про ШР. 10 лет», Москва; «Внутри искусства», Москва; «8 уровень», Винзавод; «Удав, который проглотил слова», галерея 25 кадр. Принимала участие в воркшопах Ханнеса Вандерера, Der grief, Spector groups. Читала лекции «Пост-интернет», «Интернет-ар- хеология» для Samsung galaxy, Proun gallery, Пушкинского музея и в других институциях. Осуществила персональные проекты: Dynamic pieces, Москва, 2016; The history of art in 9 parts. part 0.3, Vienna photo-book festival, 2016; Do you want to find your CHOMMAA?, Unseen photobook festival, 2017; Transverse hyperspace, 2018, Fragment gallery, Москва. Участница проекта расширенной эстетики Strange attractors. Проект SA осуществил ряд перформансов на фестивале Synthpozium, Son, премии Инновация и других площадках.

Подробнее о выставке

Современное искусство

HSE ART Gallery

Направление обучения

Современное искусство

Образовательное направление «Современное искусство» в НИУ ВШЭ создано для подготовки художников и кураторов, фотографов и видеоартистов, теоретиков и практиков во всех областях современного искусства. В рамках направления открыты программы бакалавриата, магистратуры и аспирантуры.

В бакалавриате можно выбрать из образовательных профилей: Художник и куратор, Медиа-арт, Экранные искусства, Саунд-арт и саунд-дизайн. Со II курса бакалавры могут выбрать специализацию Фигуративное искусство и развиваться в современном переосмыслении и работе со станковыми жанрами: картина, рисунок, графическая серия, скульптура и др.

Абитуриентам магистратуры, которые четко определились с направлением своего развития, мы предлагаем профили «Современная живопись» (куратор — Владимир Дубосарский), «Театр и перформанс» (куратор — Ольга Рогинская), Sound Art & Sound Studies (куратор — Евгений Былина). Также мы разработали трек мастерских — для тех, кто хочет совмещать занятия в узкоспециализированных мастерских с работой над комплексными арт-проектами. Абитуриенты магистратуры могут выбрать одну из авторских мастерских: «Видеоарт», «Фотография», «Печатная графика», «Керамика и текстиль», Art & Science и параллельно заниматься в общих группах, создавая произведения выставочного уровня, объединяя свои скиллы с компетенциями студентов из других мастерских.

Как поступить

О галерее

HSE ART GALLERY

Галерея современного искусства HSE ART GALLERY работает на базе Школы дизайна в Москве. Здесь на одной площадке представлены работы актуальных современных художников и студенческие проекты. К организации выставок команда галереи привлекает как преподавателей Школы, так и независимых кураторов, а также представителей ведущих культурных институций Москвы.

Благодаря галерее, у студентов появилась возможность показывать собственные проекты и участвовать в групповых выставках вместе с уже сложившимися и известными авторами, принимать участие во всех организационных процессах, сопровождающих создание каждой выставки галереи.

Подробнее

история страшного перфоманса «Ритм 0»

Если ты не слышала об искусстве выносливости или знаешь об этом очень мало, красноречивее всего о нем расскажет творчество нашей героини. Она известна очень сильными и сложными перформансами. В 1974 году сербская художница Марина Абрамович провела эксперимент над собственным телом. Она хотела увидеть грань человеческой вседозволенности. И то, что она показала, шокировало и её и общественность. Представляем один из самых знаменитых проектов «бабушки искусства перформанса» под названием «Ритм 0».

Анастасия Максимова

Теги:

Марина Абрамович

VOICE обзор

искусство вокруг нас

Одежда

Волосы

Многих удивляет, почему добровольные пытки или контакт с другим человеком глаза в глаза в течение трех месяцев, называют искусством. Ответ совершенно прост. Обыватели так не смогли бы да и не решились бы на такое. О таком жанре говорят либо с восхищением, либо с полным непониманием. Но бунтарство всегда способствовало новаторским прорывам в искусстве, особенно если несло глубинный смысл. Таким является эксперимент художницы Марины Абрамович.

⚡️⚡️⚡️ ЧТОБЫ ОСТАВАТЬСЯ НА СВЯЗИ НЕСМОТРЯ НИ НА ЧТО, ИЩИ НАС В Яндекс.Дзен, VK, Telegram, Одноклассниках.

Кстати, она отмечала, что чем хуже у тебя детство, тем лучше твоё искусство. Если человек по-настоящему счастлив, создать хорошее произведение не получится. Своим родителям она была особо не интересна, они занимались карьерой. Ее инсталляции иногда вызывали у зрителей шок, кто-то падал в обморок прямо на выставках. В любом случае, смотреть без эмоций уникальный эксперимент, который Марина Абрамович продемонстрировала миру, просто не получится.

В чем суть перформанса «Ритм 0»

Никто не знал, до какой низости способны дойти люди, которым дали абсолютную власть над другим человеком. Не догадывалась об этом и сама художница. Марина Абрамович поставила эксперимент, в общей сложности перформанс длился 6 часов. Идея его проста и элегантна: все это время позволять людям властвовать над телом другого человека. Перформанс состоялся в выставочном центре в Неаполе.

Художница встала перед длинным столом, на котором были сложены 72 предмета. Одни могли доставить удовольствие, другие — причинить боль, а третьи несли смертельную опасность. Перед девушкой и зрителями лежали перья, спички, нож, гвозди, цепи, ложка, вино, хлеб, мед, сахар, мыло, кусок торта, соль, коробка с лезвиями, металлическая труба, хлыст, виноград, скальпель, спирт и многое другое. На сделанных во время эксперимента фото Марины Абрамович мы можем увидеть, как люди используют эти вещи. От этих снимков, отражающих обстановку в том выставочном центре, кровь стынет в жилах.

Перед собой автор представления поставила табличку:

«Инструкция.

На столе 72 объекта, которые вы можете использовать так, как хотите.

Перформанс

Я — объект.

В течение этого времени я беру на себя полную ответственность.

Продолжительность: 6 часов (20:00 — 2:00)».

Поначалу зрители были аккуратны и нежны: они целовали ее, дарили цветы, но, не получая отпора и возражений, постепенно заходили все дальше и дальше. Присутствующий на перформансе искусствовед Томас МакЭвили писал: «Все началось невинно. Кто-то повернул ее, другой потянул за руку, кто-то дотронулся уже более интимно. Страсти неаполитанской ночи начали накаляться. К третьему часу вся ее одежда была изрезана лезвиями, а к четвертому лезвия добрались и до ее кожи. Кто-то надрезал ее горло и пил кровь. С ней проделывали и другие вещи сексуального характера. Она была так вовлечена в процесс, что не возразила бы, если бы зрители захотели изнасиловать или убить ее. Столкнувшись с ее безволием, нашлись люди, которые встали на ее защиту. Когда один из мужчин приставил к виску Марины заряженный пистолет, положив на курок ее собственный палец, между зрителями разразилась драка».

youtube

Нажми и смотри

Роль зрителей в эксперименте Марины Абрамович

Поначалу зрители были аккуратны и нежны: они целовали ее, дарили цветы, делали приятные вещи. Но чем дольше длился социальный эксперимент, тем более жесткое отношение наблюдала Марина Абрамович. Не получая отпора и возражений, люди постепенно заходили все дальше и дальше.

«Все началось невинно. Кто-то повернул ее, другой потянул за руку, кто-то дотронулся уже более интимно. Страсти неаполитанской ночи начали накаляться. К третьему часу вся ее одежда была изрезана лезвиями, а к четвертому лезвия добрались и до ее кожи. Кто-то надрезал ее горло и пил кровь. С ней проделывали и другие вещи сексуального характера.

Она была так вовлечена в процесс, что не возразила бы, если бы зрители захотели изнасиловать или убить ее. Столкнувшись с ее безволием, нашлись люди, которые встали на ее защиту. Когда один из мужчин приставил к виску Марины заряженный пистолет, положив на курок ее собственный палец, между зрителями разразилась драка», – так описывал эксперимент Марины Абрамович «Ритм 0» искусствовед Томас МакЭвили, наблюдающий за ним в зале.

Впечатления художника после перформанса

«Сначала зрители очень хотели со мной поиграть, — вспоминает Марина Абрамович об эксперименте. — Потом они становились все более агрессивными, это были шесть часов настоящего ужаса. Они отрезали мне волосы, втыкали в тело шипы роз, резали кожу на шее, а потом наклеили пластырь на рану.

После шести часов перформанса я со слезами на глазах, голая пошла навстречу зрителям, отчего они в буквальном смысле выбежали из комнаты, так как поняли, что я «ожила» — перестала быть их игрушкой и начала управлять своим телом. Я помню, что, придя в отель в этот вечер и посмотрев на себя в зеркало, я обнаружила у себя прядь седых волос».

На видео Марина Абрамович рассказывает, что эксперимент, показанный открыто, без цензуры, обнажил страшную правду, которую далеко не все согласны признать о себе. «Я хотела показать одну вещь: это просто удивительно, насколько быстро человек может вернуться в дикое пещерное состояние, если ему это позволить. Полученный мной опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить», — говорит художница.

Примеры инсталляций Марины Абрамович

Это был не единственный известный эксперимент Марины Абрамович, проведенный в 70-х годах. Перформанс «Отношения во времени» она представила в 1977 году вместе с художником Улаем. Они сплели свои волосы и просидели спиной друг к другу 17 часов. Первые 16 часов на них смотрели лишь сотрудники галереи. А на последний час пригласили зрителей. Идея состояла в акцентировании внимания на том, что энергия публики помогает повысить уровень возможностей, даже если человек на грани изнеможения.

В 2010 году в Нью-Йоркском музее современного искусства был поставлен новый эксперимент Марины Абрамович – «В присутствии художника». Посредством внимательного взгляда художница устанавливала контакт с любым желающим посетителем выставки. Момент фиксировал фотограф. Перформанс продолжался 736 часов и 30 минут. Автор посмотрела в глаза 1500 зрителям.

Эксперимент Марины Абрамович «Делай со мной все, что хочешь» повторился в 2021 году в Сочи. На девушке рисовали, ее гладили и говорили хорошие слова. Прохожие разделились на тех, кто делал приятное, кто совершал гадость, и тех, кто их исправлял. На нее выливали кетчуп, били в лицо тортом и так далее. Добрых людей оказалось больше. По мнению организаторов, это было связано с тем, что перформанс проводился в людном месте. Зрители просто испугались опуститься ниже.

Фото: Marina Abramovic Institute

Лучшие видеохудожники, работающие сегодня

Видеоарт часто считают непостижимо абстрактным и выходящим за рамки понимания обычных любителей искусства. Но если вы когда-нибудь тайно хотели проникнуть в этот причудливый и сказочный мир, вот 10 лучших художников, работающих сегодня с медиумом.

Видеозапись — Золушка с размазанным лицом в мире искусства. В то время как скульптура, живопись и фотография приукрашиваются, чтобы заискивать перед бесчисленными поклонниками на балу, приглашение видео слишком часто упускается из виду, потому что оно кажется слишком претенциозным или запутанным.

Тем не менее, такой зашоренный взгляд отрицает тот факт, что видеохудожники являются одними из самых важных творческих людей, работающих сегодня, и среда становится все сильнее и сильнее. Во многих отношениях движущиеся кадры являются идеальным средством сатиры и критики нашего современного, одержимого средствами массовой информации века, будучи в некоторой степени одной из самых молодых основных форм искусства.

Итак, если мир видеоарта по-прежнему остается для вас таким же туманным, неясным и неразборчивым, как экран, полный статики или тестовый экран в нерабочее время, читайте наш список из десяти самых важных имен, которые вам нужно знать. чтобы начать взламывать этот самый захватывающий из жанров.

Кристиан Марклей

Если вы хоть немного знакомы с видеоартом, то наверняка знакомы с Часы (2010), пожалуй, самым распиаренным арт-фильмом последних лет. Предпосылка была обманчиво проста: она длилась 24 часа и представляла собой смесь сцен из фильмов с изображением либо циферблата, либо ссылки на время, которое было синонимом фактического времени. Итак, если вы смотрели фильм в половине третьего, половина третьего будет упоминаться либо визуально, либо вербально (или и то, и другое). Это вызвало у зрителей безжалостный инстинкт викторины в пабе, побуждая вас отчаянно охотиться за отсчетом времени в каждой сцене, прежде чем она закончится. Очереди вокруг квартала и ночные просмотры.

Ажиотаж небезоснователен. Марклей был очень большой фигурой в мире искусства и звука с конца 70-х, когда, по словам критика Тома Джурека, он, возможно, был «невольным изобретателем вертушки». Кредо Марклея состоит в том, чтобы брать «образы и звуки, с которыми мы все знакомы, и реорганизовывать их непривычным образом». если вам интересно), Марклей не останавливается на достигнутом. В этом году у него была мультимедийная выставка в лондонском Bermondsey White Cube, состоящая из картин, аудиозаписи и центральной части видео: Паб (2015). Эта инсталляция из 11 видеороликов посвящена ногам художника, когда он бродит по улицам города, показывая разрушения, произошедшие прошлой субботней ночью.

Пипилотти Рист.

. Не та девушка, которая сильно скучает (1986).

Рист замолчала на несколько лет после миллениума, утверждая, что чувствовала себя выгоревшей, но ее большим возвращением стало Pour Your Body Out (7534 Cubic Meters) (2008) – калейдоскопическая видеоработа , созданная с учетом пропорций устрашающего атриума вестибюля МоМА на втором этаже. Когда он показывался, он привлекал более 6000 посетителей в день и отражал то, что New York Times назвал «навязчивым любопытством Риста к природе», с широкими крупными планами пышных тюльпанов, спелой клубники и яблок в сочетании с резкими моментами отвращения.

В то время как работа Рист подвергается критике за то, что она слишком доступна — часто состоит из красочной причудливости, которую вы можете найти в особенно авангардном музыкальном видео — она утверждает, что работа с видео сравнима с особенно просторной женской сумкой. Другими словами, это среда, в которой «есть место для всего: живописи, техники, языка, музыки, паршивых плавных картинок, поэзии, суматохи, предчувствий смерти, секса и дружелюбия».

Нет лучшего знакомства с творчеством Рист, чем ее 1997 видео Ever Is Over All , с характерным сочетанием яркого цвета, женственности и игривости, заложило основу для будущего.

Cory Archangel

Если бы Urban Outfitters создавали художников, то Cory Arcangel, скорее всего, был бы продуктом их труда. Работа этого мультимедийного брата из Бруклина связана с тем, что он называет «сохранением устаревших технологий», и одержимо использует сомнительную силу всеми любимого шрифта: Comic Sans MS. Это означает взлом видеоигр старой школы для создания комического эффекта, программирование драм-машин для воспроизведения ретро-битов в цикле и создание юмористических коллажей на YouTube — хотя, по общему признанию, все это с ощутимым чувством тепла и привязанности к его предметам.

Его самая известная работа — Super Mario Clouds  (2002), где он физически взломал игровой картридж Nintendo Super Mario , так что все, что было видно, — это облака, апатично плывущие по петле на фоне голубого неба. Это позволило зрителям смотреть в цифровом формате в облаке, почти так же, как они могли бы делать это в «реальной жизни». В то время как видео на YouTube просто показывает фактические кадры, при демонстрации работа проецировалась на множество разных экранов на разной высоте и разных размеров, создавая нечто сюрреалистично захватывающее.

Несколько лет спустя он создал видеоколлаж из нескольких тысяч короткометражных фильмов о Гленне Гулде (2007 г.) , шедевр монтажа, который взял клипы музыкантов-любителей, играющих на инструментах, на YouTube и соединил их вместе, чтобы создать реконструкцию первая из «Вариаций Гольдберга» Иоганна Себастьяна Баха. Это последовало за чем-то, возможно, гораздо более забавным: видео на YouTube, в котором кадры с кошками, гуляющими по пианино, были тщательно смонтированы вместе, чтобы создать классическую атональную фортепианную пьесу Арнольда Шенберга «Drei Klavierstücke».

Ханна Блэк

Короткие, быстрые размышления Блэк о поп-культуре могут на первый взгляд показаться милыми кусочками знаменитостей — например, в ее видео Team Jolie (2013) исследуется, как любят соперников Дженнифер Энистон и Анджелину Джоли воспринимают в популярной культуре, но вам достаточно прочитать статьи этой пугающе умной британской художницы и писательницы для The New Inquiry, чтобы увидеть, сколько теории и философии содержится в ее идеях.

Выдающийся фильм — ее фильм My Bodies (2014), в котором собраны аудиоклипы чернокожих певиц (Рианна, Бейонсе, Уитни, Сиара), поющих фразу «мое тело», и наложены на монтаж изображений богатых белых мужчин (Блэк описывает поиск в Google слова «генеральный директор» и «исполнительный директор» для получения изображений). Изображения расположены так близко, что зритель почти теряется в их порах, создавая сюрреалистический, бессвязный комментарий к традиционным предубеждениям, связанным с расой и полом.

Райан Трекартин

Трудно говорить о вундеркинде видеоарта Райане Трекартине без восторга, поэтому давайте попробуем придерживаться фактов. Трекартин родился в Техасе в 1981 году и в настоящее время проживает в Лос-Анджелесе. Он снимает красочные, резко сюрреалистические видео, которые бросают вызов нью-йоркскому, гетеронормативному видению искусства в рамках всего цифрового.

Впервые он привлек международное внимание своим опусом 2004 года « Семья находит развлечение », в котором главный герой, Скиппи, запирается в шкафу в ванной на собственной домашней вечеринке, признается родителям геем, выбегает на дорогу, а затем его сбивает машина, прежде чем он волшебным образом воскресает. Его видео точно такие же гиперактивные и сбивающие с толку, как следует из этого описания, и обычно показывают ансамбль приятелей Трекартина, ярко одетых, импровизирующих фраз, которые повторяются снова и снова.

По мере восхождения звезды Трекартина его выбрали для показа серии иммерсивных видеороликов в карьерном шоу «Поколение: Младший, чем Иисус» в Новом музее в 2009 году, а его знаменитая серия из семи видеороликов, посвященных корпоративным Life and Personal Branding, Any Ever (2010-2011), подтвердили, что ситуация может стать только лучше. Трекартин бесконечно плодовит, поэтому, если у вас есть свободное время, чтобы погрузиться в зловещую кроличью нору, посмотрите видео выше, прежде чем изучать его профиль на Vimeo.

Сиприен Гайар
Гайяра впервые отметили на том же шоу «Younger Than Jesus», что и Trecartin. Тем не менее, его работа очень далека от гиперактивной техники фильма Трекартина. Гайяр живет в Берлине, но родом из Франции, и его работы в первую очередь связаны с разрушением и реакцией на ностальгию.

Возможно, лучшим знакомством с творчеством Гайяра является короткометражный фильм « Деснянский район », рассказывающий о петербургской субкультуре бойцовских клубов. Видео начинается с жилого комплекса в пригороде Санкт-Петербурга, взгляд камеры скользит по тусклым зданиям в бруталистском стиле, а затем показывается две группы мужчин, марширующих навстречу друг другу, одна группа в основном одета в красное, а другая в основном в синем. Когда зажигаются ракеты, группы набрасываются друг на друга, избивая друг друга с безудержной жестокостью.

Это насилие является ключом к работе Гайяра, будь то сосредоточено на людях (как в Деснянский ) или на месте, как мы видим в Артефакты  (2011), в котором снимаются сцены из постконфликтного Ирака и сопоставляются с изображениями Вавилонские древности. Произведение было снято на iPhone художника, а затем цифровое видео было перенесено в более старый формат 35 мм, на котором работа зациклена.

Эндрю Томас Хуанг

Немногие художники могут сосчитать создателя Lost Дж. Дж. Абрамс как поклонник их ранних работ. Тем не менее, не так много артистов сняли дебютный фильм, который был номинирован на премию YouTube в 2007 году, и его посмотрели более шести миллионов человек. Прорывной фильм Хуанга Кукольное лицо  в равной степени изобретателен и тревожен, выступая в качестве жгучей (если не тонкой) критики влияния телевидения на наше представление о себе.

В то время как Хуан встретился с Абрамсом на следующий день после окончания Университета Южной Калифорнии, он решил придерживаться короткометражного фильма, пока не наткнется на подходящую тему для более длинного полнометражного фильма. С тех пор он снимал рекламу для таких брендов, как Google и Lexus, а также музыкальные клипы для таких исполнителей, как Avi Buffalo и Delphic.

Собрав 8000 долларов на Kickstarter для нового арт-проекта, Хуан снял 10-минутный цветной короткометражный фильм «Solipsist», получивший в 2012 году специальный приз жюри за экспериментальный короткометражный фильм на фестивале «Сандэнс» и вошедший в официальный отбор на Международном кинофестивале в Сан-Франциско.

Абрамс не единственный известный поклонник Хуана. В этом году он провел большую часть своего времени, сотрудничая ни с кем иным, как с Бьорк. Пара вместе работала над 360-градусным видео виртуальной реальности для ее песни «Stonemilker», где зрители могли взаимодействовать с видео в MoMA PS1 в Лонг-Айленд-Сити или в магазинах Rough Trade в Лондоне или Нью-Йорке. обложка альбома Vulnicura и интенсивное десятиминутное видео на сингл «Black Lake»

На его веб-сайте в настоящее время есть графическое изображение под названием «Скоро: ОСЕНЬ 2015», так что следите за новостями о новых вспышках темного футуризма в конце этого года.0003

Джиллиан Уэринг

Уэринг — лондонский фотограф и видеохудожник, которая описывает свою работу как «редактирование жизни». обе выиграли премию Тернера и были избраны пожизненными членами Королевской академии искусств в Лондоне. Она использует камеру, чтобы исследовать разрыв между общественной и частной жизнью людей, и играет с личностью, прося взрослых синхронизировать губы с записанным признания детей или маскироваться ультрареалистичными масками.

В прошлом году 21-минутный фильм Уиринга « We Are Here » был показан в знаменитой галерее Морин Пейли в Восточном Лондоне, исследуя внутренние монологи ряда людей, которые оказываются «тенями» (т. ), в неопознанном пространстве сообщества. Истории исследуют изоляцию, которую люди пережили в своей жизни, будь то подавление своих чувств или одиночество, которое может спровоцировать серьезная болезнь.

Ее последний проект немного менее унылый: он собирает виды из окон людей и стремится объединить их в один слегка эмоциональный фрагмент. Этот проект, по-видимому, все еще открыт для заявок, поэтому, если идея о том, что ваша спальня станет звездой видеоарта завтрашнего дня, вам нравится, отправьте заявку здесь.

Люк Фаулер

37-летний художник, режиссер и музыкант Люк Фаулер живет в Глазго. Его видео разительно отличаются от всего остального, перечисленного здесь: в то время как многие другие артисты, имена которых я проверил, смотрят в будущее, фильмы Фаулера сосредоточены на том, как исследовать прошлое. Несмотря на то, что его фильмы экспериментальны, его фильмы гораздо ближе к документальным, чем к стереотипным дурацким видео-артам, но это не сильно повлияло на его шансы в мире искусства. В 2008 году он получил первую премию Дерека Джармана, а в 2012 году попал в шорт-лист престижной премии Тернера.

Его кинематографические коллажи посвящены столь разным личностям, как знаменитый шотландский психиатр Р. Д. Лэнг, много писавший о шизофрении, и английский композитор-экспериментатор Корнелиус Кардью, а его фильм « Показания » (2014), показанный на BBC в прошлом году, рассказывает о « потенциальность: что могло бы быть, что могло бы быть, что еще могло бы быть, если бы мир повернулся в другом направлении?»

Шана Моултен

Прилагательные, которые люди обычно ассоциируют с видео-артом: тревожный, ошеломляющий, претенциозный, провокационный. Одно прилагательное, которое люди не так часто ассоциируют с видеоартом: забавное.

Вот почему так чертовски жаль, что Шана Моултон так мало разрекламирована. Хотя на ее видеоарт сильно повлиял Трекартин, он гораздо более откровенно юмористичен и доступен, чем его работы. Ее сериал «Шепчущие сосны» сосредоточен вокруг ее невротического альтер-эго, Синтии, ипохондрик со страстью к китчу в стиле нью-эйдж, зловещим схемам декорирования, песочному искусству, ведению дневника и ужасным прическам. Вспомните: Твин Пикс — Леди с поленом встречает Эми Шумер.

Я не знаю, оказывает ли юмор, основанный на Enya, такое же влияние на всех остальных, как и на меня, но я вечно смеялся над этим…

Слова Софи Аткинсон для Highsnobiety.com

От Уорхола до Стива МакКуина: история видеоарта в 30 работах | Видеоарт

Видеоарт появился в тандеме с экспериментальным кино в 1960-х годах как живая, открытая альтернатива вдали от центра. Практики с противоположными программами и опытом работы в разных областях — музыке, перформансе, литературе, изобразительном искусстве и движущихся изображениях — начали экспериментировать с аудиовизуальными конфигурациями. Чувствуя себя свободными, они исследовали потребительские инструменты в одиночку в своих студиях или в благоприятной среде некоммерческих пространств, управляемых художниками.

На этом раннем этапе музеи современного искусства концентрировались на конкретных, товарных формах, а именно на живописи и скульптуре. Многие считали движущееся изображение анафемой, ужасаясь тому, как звук проникает в соседние священные белые кубические пространства. Тем не менее, к концу 1990-х музеи, наконец, начали рассматривать видео и медиа как экспонируемые формы искусства.

Представленные здесь движущиеся изображения демонстрируют, как видео и кино развивались и становились современным искусством. Художники продолжают процветать, вдохновленные открытостью СМИ. Вместо того, чтобы навешивать ярлыки на ярлыки, большинство практиков предпочитает простой термин: художник. Это соответствует их подходу к созданию произведений искусства, которые могут материализоваться в виде инсталляции, перформанса, среды виртуальной реальности или загружаемого файла. Медиа-арт больше, чем когда-либо, принадлежит здесь и сейчас, поскольку он развивается вместе с технологиями, временем и его пользователями.

Будущее медиаискусства кажется светлым. После Covid-19 такие общественные места, как площадь Пикадилли, заказывают проекции для конкретных мест такими известными художниками, как Ай Вэйвэй. Такие музеи, как Тейт Модерн, снова приглашают зрителей познакомиться с новаторскими художниками, такими как грандиозный обзор Брюса Наумана, который сейчас выставлен на обозрение.

Во время карантина художники продолжали активно использовать социальные сети для распространения своих работ. Скоро будут открыты новые формы выражения. Обращать внимание! Новаторские идеи появятся совершенно неожиданно, без особой помпы. Барбара Лондон

Записи Скай Шервин и Оливер Башиано

По уши… Брюс Науман «Шагая вверх ногами», 1969. Фото: Брюс Науман; МОМА

Энди Уорхол | Blow Job, 1964
Уорхол не изобретал видеоарт: различные формальные эксперименты по манипулированию фильмом и видео предшествовали его интересу. Еще в 1958 году немецкий художник Вольф Фостелл включил телевизор в одно из своих авангардных мероприятий Fluxus, а к следующему году Фостелл разработал видеоинсталляцию в том виде, в каком мы ее знаем сегодня. Однако Уорхол взял идею и сделал ее знаменитой. По крайней мере, художник был мастером определять новые моды и с его талантом к саморекламе привлекать к ним внимание масс. Здесь красивый мужчина в экстазе запрокидывает голову, но 36-минутный фильм Уорхола не похотлив, по крайней мере, не совсем так. По ходу работы камера не отрывается от лица счастливчика, пока разыгрывается гамма эмоций: от скуки до боли, грусти и обратно к удовольствию.

Брюс Науман | Pacing Upside Down, 1969
Ранние студийные видеоролики Наумана перевернули возможности художественного творчества с ног на голову, выдвинув студию на передний план как чашку Петри для творчества, используя все, что у него было под рукой, и с камерой, обеспечивающей параметры производительности. Здесь он ходит по кругу на длину видеокассеты; хотя с перевернутой камерой он, кажется, бросил вызов гравитации, чтобы свисать с потолка.

Наталья ЛЛ | Consumer Art, 1972-5
Феминизм в сериале польского художника, в котором женщины соблазнительно едят фаллические продукты, от бананов до сосисок, актуален как никогда. В прошлом году один фильм был изъят из Национального музея в Варшаве. Этот шаг приветствовали консерваторы, но это вызвало ужас среди любителей искусства, которые вышли в социальные сети с селфи, пожирающими бананы.

Джоан Джонас | Вертикальный рулон, 1972 г.
Нет, монитор галереи не сломан. Катящаяся полоса, обычная ошибка аналогового телевидения, использовалась американской художницей, чтобы представить камеру в своих экспериментальных перформансах, которые выходили за рамки простого документирования. Джонас стучит ложкой в ​​такт вертикальной стробоскопии, а движения ее тела в этом агрессивном ритме завораживают.

Нам Джун Пайк | ТВ Будда, 1974
Статуя Будды созерцает собственное изображение, транслируемое через систему видеонаблюдения на сферическом мониторе, расположенном примерно в метре от него. Это работа, которая продолжила интерес корейского художника к буддизму и технологическим изменениям, а сейчас является уместным напоминанием для зрителей о том, насколько разрушительным является экран для концентрации и гармонии.

Лигия Папе | Eat Me, 1975
Поэт Освальд де Андраде придумал метафору пожирания культуры колониальных держав, пережевывания ее и выплевывания, чтобы могло быть создано новое, истинно бразильское общество. Товарищ Андраде, бразильянка Папе, создает здесь буквальное, но мощное представление этого акта, направляя свою камеру в неудобное положение на уста двух друзей-художников.

Джон Смит | Девушка, жующая резинку, 1976
Девушка с титулом, кажется, получает инструкции от закадрового режиссера, когда она прогуливается мимо кинотеатра в восточном Лондоне. Тем не менее, в этом полукомическом трибьюте британскому кинематографу «Новой волны» зритель постепенно осознает, что уличная сцена реальна, а «режиссер» вымышленный, а его команды дублируются позже.

Маленькое чудо… Технология/трансформация Дары Бирнбаум: Чудо-женщина, 1978/9. Фотография: Дара Бирнбаум; Интермикс Электронного искусства; Галерея Мэриан Гудман

Дара Бирнбаум | Технологии/трансформация: Чудо-женщина, 1978-79
Бум! Взрывы заполняют экран, и работающая женщина снова и снова превращается в идеальную малышку, Чудо-женщину. Чтобы создать свою культовую деконструкцию фантазий, которыми торгуют женщины, Бирнбаум отредактировала ролики из телешоу о супергероях. Это было впервые, за несколько десятилетий до появления мэшапов на YouTube, и его демонстрировали по телевизору в витрине магазина в центре Нью-Йорка.

Черный коллектив аудиофильмов | Песни Хэндсворта, 1986
Более важный, чем когда-либо, этот свободный документальный фильм рассказывает о последствиях расовых беспорядков 1985 года, которые продолжались три дня в титульном районе Бирмингема. Созданный по заказу Channel 4 и снятый художником Джоном Акомфрой, этот отмеченный наградами поэтический фильм представляет собой обвинение в институциональном расизме в полиции, в политике тэтчеризма и в обществе в целом.

Фишли и Вайс | The Way Things Go, 1987
Этот завораживающий 30-минутный фильм швейцарского дуэта художников Питера Фишли и Дэвида Вайса начинается с зажженного предохранителя, который выпускает шину, устанавливающую доску, которая качается на металлическом газовом барабане. объекты, когда они стучат, катятся, горят и скользят друг в друга. Цепная реакция нелогична, но, тем не менее, поднимает философские вопросы о взаимосвязях, причинах и следствиях.

Нахальный … В поисках Лэнгстона, 1988. Фотография: Bfi/Sankofa Film/Kobal/Rex/Shutterstock

Исаак Жюльен | В поисках Лэнгстона, 1989
Фильм Жюльена — это больше, чем дань уважения американскому поэту Лэнгстону Хьюзу и Гарлемскому ренессансу. предрассудки. Действие разворачивается на фоне саундтрека, в котором смешаны джаз 1920-х и анахроничное диско 1980-х.

Дуглас Гордон | 24 Hour Psycho, 1993
Как и в случае с крупнейшими хитами британского искусства, предпосылка здесь обезоруживающе проста: «Психо» Хичкока замедлился до беззвучного 24-часового хронометража, проецируемого на монументальный экран. Длина работы мучительна, но она быстро доносит свою мысль: будь то кинематографическая манипуляция нашим ощущением времени или вопросы об авторстве и творческом контроле.

Мэтью Барни | Цикл Кремастер, 1994-2002
Названный в честь мускула полового члена, Cremaster Cycle представляет собой девятичасовой карнавал великолепных, гротескных моментов, где все, от Гудини до Гэри Гилмора, от мотоциклов до фей, связано косвенными, похожими на сон ассоциациями. Его кинематографические претензии, в том числе глянцевые производственные ценности и культовый актерский состав (Норман Мейлер, Ричард Серра), выдвинули видеоарт на новую территорию.

Пол Маккарти | Painter, 1995
Маккарти мастер выявлять скатологические подводные течения культуры. В этой ключевой работе он играет мифологизированную фигуру героического художника-мужчины в образе жестокого клоуна с фаллическим лицевым протезом. Держа огромную кисть в массивных пальцах, он размазывает краску цвета экскрементов, в то время как тревога кастрации изобилует.

Risty business … Ever Is Over All, 1997. Фото: Пипилотти Рист; Хаузер и Вирт; Люринг Августин

Пипилотти Рист | Ever Is Over All, 1997
В этом видео пышно цветочное и анархическое видение Риста попало на карту культуры. Один экран переносит нас через поле раскаленных докрасна покерных цветов. С другой, женщина радостно разбивает окна автомобилей огромным цветком, делясь улыбкой с женщиной-полицейским. Бейонсе упоминает об этом в своем клипе на песню Hold Up.

Йохан Гримонпре | Циферблат H-I-S-T-O-R-Y, 1997
Террористы формируют нашу культуру больше, чем писатели? Это спорный центральный вопрос в этом взрывоопасном документальном фильме, в котором история угона самолетов прослеживается через архивные материалы, любительские кадры, научную фантастику и фильмы-катастрофы, на которые накладываются выдержки из романов Дона Делилло, посвященных теории СМИ, «Мао II» и «Белый шум».

Марк Леки | Fiorucci Made Me Hardcore, 1999
Леки создает альтернативную историю из найденных кадров британских клабберов разных десятилетий в своем основополагающем фильме. По мере того, как племя, состоящее в основном из белых детей из рабочего класса, вымирает, а временной код тикает, появляется поразительно свежий гимн краткости юности. Актуальность его подхода только росла с годами (и с YouTube).

Делая волны… Ширин Нешат, Восторг, 1999. Фото: Ширин Нешат; Galerie Jérôme de Noirmont

Ширин Нешат | Восторг, 1999
В одной из проекций десятки мужчин идут по мощеным улицам к старому форту. Через секунду толпа женщин в чадрах медленно движется через пустыню к камере. С помощью этого аллегорического сопоставления иранский художник обращается к гендерной политике: мужчины, защищенные обществом, женщины, оставшиеся во враждебной среде.

Стив МакКуин | Прыжок карибов/Западная глубина, 2002 г.
Шедевр Маккуина следует за африканскими горняками в самую глубокую в мире золотую жилу: дальше всех побывали люди под землей, где атмосферное давление превышает норму в 920 раз, а температура может достигать 70°C. Машины оглушительны, но, отражая опыт рабочих, большая часть фильма происходит в дезориентирующей темноте.

Цао Фэй | Whose Utopia, 2006
Созданная под техно-саундтрек, прорывная работа звезды китайского искусства изначально документирует безжалостное производство машин и людей на фабрике по производству лампочек. Тон волшебным образом меняется во второй половине, когда рабочие бросают свои посты, чтобы танцевать балет или играть на гитаре, используя фабричные ритмы, чтобы создать сказочный мир самовыражения.

Майк Келли | Day Is Done, 2006
Вдохновленный фотографиями «внеклассных мероприятий» из школьного ежегодника, выдающийся опус Келли состоит из 32 видеофрагментов, которые образуют буйный двух с половиной часовой мюзикл. Виньетки OTT включают дьяволов Хэллоуина, ухмыляющихся парикмахеров, Деву Марию верхом на осле и одинокого вампира, часто в зловещих встречах, которые вызывают культурную сексуальную тревогу и клише поп-психологии.

Яэль Бартана | … И Европа будет ошеломлена, 2007-11
На пустом стадионе еврейский лидер с новым лицом призывает 3 миллиона евреев вернуться в Польшу, центр истребления во время Холокоста, задавая провокационный и ироничный тон трехчастному ошеломляющему фильму Бартаны. Он исследует тошнотворную смесь националистических лихорадочных мечтаний и культурных травм с оттенками нацизма, советской эпохи и израильско-палестинского конфликта.

Круглосуточные тусовщики… Часы Кристиана Марклея, 2010. Фото: Бен Уэстоби/Christian Marclay

Кристиан Марклай | Часы, 2010
Тик-так через 70 лет целлулоида, Марклей соединяет воедино тысячи голливудских, артхаусных фильмов и телевизионных клипов, во всех из которых есть часы, каждый из которых отмечает определенную минуту дня. Фильм показывают в музеях по всему миру, которые должны оставаться открытыми в течение 24 часов, чтобы работу можно было показать синхронно с реальным временем.

Тацита Дин | Film, 2011
Самая тотемная работа Дина — вовсе не видеоарт, а памятник собственно целлулоиду. Это было вызвано закрытием последней лаборатории по производству фильмов в Великобритании и международной кампанией, которую она тогда запустила, чтобы спасти свой носитель, 16 мм. Созданный для Турбинного зала в лондонской галерее Тейт Модерн, его движущиеся образы, проецируемые на 13-метровый вертикальный экран, искусно исследуют уникальную телесность фильма.

Омер Фаст | 5000 Feet Is the Best, 2011
Интервью с пилотом беспилотника ВВС США, который дистанционно сбрасывает бомбы через то, что он видит на экране, объединяет зеркальный зал Фаста. Этот исходный материал переосмыслен с помощью документальной драмы и рассказов о лохматых собаках в стиле Тарантино, пока факты и вымысел не смешиваются. Быстрые удары по тому, как сам фильм — от боевиков до новостных кадров — искажает наше восприятие реальности.

Эд Аткинс | Us Dead Talk Love, 2012
Два говорящих трупа в цифровом виде в сверхъестественном высоком разрешении обсуждают насилие, секс, депрессию, нарциссизм и мужскую хрупкость. Видео британского артиста — острая сатира на отчуждающую природу нашего медийно-насыщенного века, полного грустных, мертвых людей, в которых эмоции просто исполняются для алгоритмов, управляющих нами.

Хито Штайерл | Как не быть замеченным: чертовски дидактический образовательный файл .MOV, 2013 г.
В 1950-х годах американские военные построили мишени в калифорнийской пустыне для калибровки аэрофотосъемки. Так началось, — рассказывает нам рассказчик в этом псевдоинструктивном видео, — наша эпоха гиперконтроля. Сочетая оригинальные кадры, анимацию и технологию зеленого экрана, Стейерл раскрывает связи между технологиями, войной и капитализмом.

Обезьянье дело… Без названия (Человеческая маска) Пьера Юига, 2014. Фото: Пьер Юиг

Пьер Юиг | Untitled (Human Mask), 2014
Глубоко тревожное видео Хьюи ставит перед самым насущным вопросительным знаком нашего века: постчеловеческим миром. Частично снятый с использованием дрона в зоне ядерной катастрофы на Фукусиме, он показывает покрытого мехом и замаскированного одинокого выжившего, который медленно оказывается обезьяной, брошенной в ресторане, чтобы ориентироваться в этом новом существовании.